Художник Борис Десятников в своей мастерской, Иркутск, конец 1980.
«Мы даже видели, это его одиночество. Вечер, мастерская, горит лампочка Ильича, звучит дикая музыка Мусоргского – и он в этой стихии творил. Соседи вызывали милицию, конечно. И, как истинный живописец, он умел раскрыть свет – ночью пишет, утром вынесешь работу на улицу, а она сияет волшебными красками», — вспоминает искусствовед Иркутского областного художественного музея Тамара Драница.
«Мы даже видели, это его одиночество. Вечер, мастерская, горит лампочка Ильича, звучит дикая музыка Мусоргского – и он в этой стихии творил. Соседи вызывали милицию, конечно. И, как истинный живописец, он умел раскрыть свет – ночью пишет, утром вынесешь работу на улицу, а она сияет волшебными красками», — вспоминает искусствовед Иркутского областного художественного музея Тамара Драница.
«Один и три стула», Джозеф Кошут, 1965.
Настоящим отцом концептуализма был американец Джозеф Кошут.
В 1965 году он создал программную работу «Один и три стула». Это инсталляция, которая состоит из стула, фотографии этого стула и словарной статьи с определением слова «стул».
Таким образом, стул оказывается един в трех лицах. Более того, каждый раз, когда эту работу выставляют, неизменным остается только словарное определение — а стул и его фотографию, каждый раз, берут новые.
Кошут повторял свою главную работу и с другими предметами — с лопатой, зеркалом, молотком, пилой и так далее.
P.S. Так что, «банан и скотч», об этом же и вторичен по сути.
Настоящим отцом концептуализма был американец Джозеф Кошут.
В 1965 году он создал программную работу «Один и три стула». Это инсталляция, которая состоит из стула, фотографии этого стула и словарной статьи с определением слова «стул».
Таким образом, стул оказывается един в трех лицах. Более того, каждый раз, когда эту работу выставляют, неизменным остается только словарное определение — а стул и его фотографию, каждый раз, берут новые.
Кошут повторял свою главную работу и с другими предметами — с лопатой, зеркалом, молотком, пилой и так далее.
P.S. Так что, «банан и скотч», об этом же и вторичен по сути.
«Парящий орел над Фукагава Сусаки Дзюман-цубо». Серия «100 знаменитых видов Эдо», Утагава Хиросигэ, бумага, ксилография, гравюра укие-э, 35.7×24.1, 1857.
Метрополитен-музей, Нью-Йорк💙
Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
«Женщина, покидающая кабинет психоаналитика (возможно, Джулиана)», Ремедиос Варо, оргалит, масло, 70.5×40.5, 1960. Частная коллекция, Мексика 💛
Варо изобразила на картине загадочную седовласую женщину в зеленом плаще. Она выходит после приема у психотерапевта унося с собой свой багаж: призрачную голову мужчины, которую она собирается бесцеремонно сбросить в ближайший колодец.
Варо изобразила на картине загадочную седовласую женщину в зеленом плаще. Она выходит после приема у психотерапевта унося с собой свой багаж: призрачную голову мужчины, которую она собирается бесцеремонно сбросить в ближайший колодец.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Фото в день свадьбы художницы Леоноры Каррингтон и венгерского фотографа Эмерико (Чики) Вайса в Мехико-Сити, 1946 🖤
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
«Купальщица», Франтишек Купка, холст, масло, 63×80, 1907. Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж 🥛
На картине написана обнажённая женская фигура, стоящая в воде. Женщина изображена в полный рост, её тело мягко освещено, а поза выражает спокойствие и гармонию. Вода вокруг неё кажется прозрачной и чистой, создавая ощущение лёгкости и естественности. Фон выполнен в приглушённых тонах, что подчёркивает фигуру купальщицы.
Купка уделяет большое внимание деталям: плавные линии тела, игра света и тени, а также общая атмосфера картины передают чувственность и эстетику.
В то же время в работе чувствуется влияние символизма — фигура женщины кажется несколько идеализированной, а сцена наполнена меланхолией и загадочностью.
«Купальщица»— это важная работа в творчестве Франтишека Купки, которая демонстрирует его мастерство в фигуративной живописи и служит мостом между традиционным и абстрактным искусством. Картина передаёт красоту человеческого тела и гармонию природы, оставаясь при этом глубоко символичной и эмоциональной.
На картине написана обнажённая женская фигура, стоящая в воде. Женщина изображена в полный рост, её тело мягко освещено, а поза выражает спокойствие и гармонию. Вода вокруг неё кажется прозрачной и чистой, создавая ощущение лёгкости и естественности. Фон выполнен в приглушённых тонах, что подчёркивает фигуру купальщицы.
Купка уделяет большое внимание деталям: плавные линии тела, игра света и тени, а также общая атмосфера картины передают чувственность и эстетику.
В то же время в работе чувствуется влияние символизма — фигура женщины кажется несколько идеализированной, а сцена наполнена меланхолией и загадочностью.
«Купальщица»— это важная работа в творчестве Франтишека Купки, которая демонстрирует его мастерство в фигуративной живописи и служит мостом между традиционным и абстрактным искусством. Картина передаёт красоту человеческого тела и гармонию природы, оставаясь при этом глубоко символичной и эмоциональной.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Матильда Кшесинская на катке в Санкт-Морице (Швейцария) во время новогодних каникул 1914 года.
Справа от неё — великий князь Андрей Владимирович, её будущий муж.
Шел последний год перед началом Первой мировой войны.
В декабре Кшесинская блестяще станцевала «Русскую» в «Коньке-Горбунке» на сцене Мариинского театра — и успех «Русской» решила отметить в Швейцарии, где Андрей лечился от бронхита свежим горным воздухом.
Швейцарский Санкт-Мориц известен прежде всего своим идеально круглым озером, которое зимой превращается в уютный каток.
Целыми днями Матильда училась кататься на фигурных коньках, стараясь применить на льду свои балетные навыки. Но получалось не очень. Андрей же, наоборот, удивлял окружающих ловкими фуэте — будучи на тот момент командиром 6-й Донской казачьей артиллерийской батареи, он находился в прекрасной физической форме.
Справа от неё — великий князь Андрей Владимирович, её будущий муж.
Шел последний год перед началом Первой мировой войны.
В декабре Кшесинская блестяще станцевала «Русскую» в «Коньке-Горбунке» на сцене Мариинского театра — и успех «Русской» решила отметить в Швейцарии, где Андрей лечился от бронхита свежим горным воздухом.
Швейцарский Санкт-Мориц известен прежде всего своим идеально круглым озером, которое зимой превращается в уютный каток.
Целыми днями Матильда училась кататься на фигурных коньках, стараясь применить на льду свои балетные навыки. Но получалось не очень. Андрей же, наоборот, удивлял окружающих ловкими фуэте — будучи на тот момент командиром 6-й Донской казачьей артиллерийской батареи, он находился в прекрасной физической форме.
«Бродвей буги-вуги», Пит Мондриан, холст, масло, 127х127, 1943.
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА), Нью-Йорк.
«Бродвей буги-вуги» — знаковая картина Мондриана нью-йоркского периода.
После приезда в культурную столицу США художник почти полностью отказывается от черного, сосредотачиваясь на трех основных цветах – синем, красном и желтом. В этот же период, вдохновленный бурной жизнью Нью-Йорка, Мондриан снова начинает давать своим картинам имена, а не названия.
Мондриан опять обращается к теме музыки. Конечно, до него это делали многие художники, дававшие своим полотнам названия музыкальных произведений. Но Мондриан стал одним из первых, кто обратил свое внимание на современные ритмы.
Страстный любитель музыки и танцев, он и раньше предпочитал танго и тустеп вальсам. Еще в конце 20-х годов он назвал две своих работы «Фокстрот А» и «Фокстрот В» в честь американского танца, наделавшего много шума в Европе.
Джаз и буги-вуги оказали сильнейшее влияние на творчество Мондриана. Именно рваный синкопический ритм, так восхищавший художника, он стремился изобразить на своих полотнах.
Но не только музыкальный ритм художник пытался передать с помощью живописи. Если рассмотреть «Бродвей буги-вуги», можно совершенно отчетливо увидеть улицы большого города, живущие своей жизнью. Движение на них не прекращается ни на секунду, лишь подсвечивается ночью разноцветными огнями.
Короткие линии и элементы чистых ярких цветов, напоминающие конструкцию из кубиков «лего», великолепно создают эту иллюзию постоянного движения.
Поневоле создается впечатление, что стоит только отвести от картины взгляд на пару секунд — и в следующий раз кусочки головоломки поменяют свое положение!
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА), Нью-Йорк.
«Бродвей буги-вуги» — знаковая картина Мондриана нью-йоркского периода.
После приезда в культурную столицу США художник почти полностью отказывается от черного, сосредотачиваясь на трех основных цветах – синем, красном и желтом. В этот же период, вдохновленный бурной жизнью Нью-Йорка, Мондриан снова начинает давать своим картинам имена, а не названия.
Мондриан опять обращается к теме музыки. Конечно, до него это делали многие художники, дававшие своим полотнам названия музыкальных произведений. Но Мондриан стал одним из первых, кто обратил свое внимание на современные ритмы.
Страстный любитель музыки и танцев, он и раньше предпочитал танго и тустеп вальсам. Еще в конце 20-х годов он назвал две своих работы «Фокстрот А» и «Фокстрот В» в честь американского танца, наделавшего много шума в Европе.
Джаз и буги-вуги оказали сильнейшее влияние на творчество Мондриана. Именно рваный синкопический ритм, так восхищавший художника, он стремился изобразить на своих полотнах.
Но не только музыкальный ритм художник пытался передать с помощью живописи. Если рассмотреть «Бродвей буги-вуги», можно совершенно отчетливо увидеть улицы большого города, живущие своей жизнью. Движение на них не прекращается ни на секунду, лишь подсвечивается ночью разноцветными огнями.
Короткие линии и элементы чистых ярких цветов, напоминающие конструкцию из кубиков «лего», великолепно создают эту иллюзию постоянного движения.
Поневоле создается впечатление, что стоит только отвести от картины взгляд на пару секунд — и в следующий раз кусочки головоломки поменяют свое положение!
«Теплая шапочка для катания на лыжах», Леонора Каррингтон, цветная бумага, гуашь, 25.1×18.4, 1939.
Частная коллекция.
Берегите себя, одевайтесь теплее💙
Частная коллекция.
Берегите себя, одевайтесь теплее
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
ARTMUSE
«Бродвей буги-вуги», Пит Мондриан, холст, масло, 127х127, 1943. Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА), Нью-Йорк. «Бродвей буги-вуги» — знаковая картина Мондриана нью-йоркского периода. После приезда в культурную столицу США художник почти полностью…
«Коллизия Мондриана» - многолетнее стремление множества модельеров приспособить знаменитые квадраты нидерландского (а позднее американского) художника Пита
Мондриана, поместив их на свои вещи.
При этом, интерес самого Мондриана к моде исчерпывался приглашением в свою мастерскую молодых манекенщиц для позирования.
Пожалуй, единственное, что понравилось бы художнику, который вел закрытий образ жизни: 2 языка программирования, названные в его честь —Пит и Мондриан.
Мондриана, поместив их на свои вещи.
При этом, интерес самого Мондриана к моде исчерпывался приглашением в свою мастерскую молодых манекенщиц для позирования.
Пожалуй, единственное, что понравилось бы художнику, который вел закрытий образ жизни: 2 языка программирования, названные в его честь —Пит и Мондриан.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
«Тело московского неофициального искусства 60–70-х годов», Виктор Пивоваров, холст, масло, 200×155, 2002. ГТГ.
«Тело московского неофициального искусства 1960–70-х годов» Виктор Пивоваров представил в виде наглядной схемы: обозначенное контуром тело мужчины, верхняя часть которого разделена на несколько окрашенных в разные цвета участков, заполненных именами художников — участников альтернативной художественной сцены 1960–70-х годов.
Стилистика изображения напоминает научные иллюстрации в журнале «Знание — сила», соответственно выстроено и пространство композиции: в очерченной вдоль верхнего края графе помещено название схемы, а само изображение расположено на нейтральном фоне, напоминающем слегка пожелтевший лист бумаги.
Художник побуждает зрителя провести собственную работу по сравнительному анализу и решить, почему в голове находятся Кабаков и Пригов, Соков — под глазом, Булатов — на плече, а Макаревич и Елагина — в районе ребер.
P.S. Сохраняйте как шпаргалку по московскому концептуальному искусству, позволяющую понять, почему картины этих авторов столько стоят.
«Тело московского неофициального искусства 1960–70-х годов» Виктор Пивоваров представил в виде наглядной схемы: обозначенное контуром тело мужчины, верхняя часть которого разделена на несколько окрашенных в разные цвета участков, заполненных именами художников — участников альтернативной художественной сцены 1960–70-х годов.
Стилистика изображения напоминает научные иллюстрации в журнале «Знание — сила», соответственно выстроено и пространство композиции: в очерченной вдоль верхнего края графе помещено название схемы, а само изображение расположено на нейтральном фоне, напоминающем слегка пожелтевший лист бумаги.
Художник побуждает зрителя провести собственную работу по сравнительному анализу и решить, почему в голове находятся Кабаков и Пригов, Соков — под глазом, Булатов — на плече, а Макаревич и Елагина — в районе ребер.
P.S. Сохраняйте как шпаргалку по московскому концептуальному искусству, позволяющую понять, почему картины этих авторов столько стоят.
«Снегурочка», Виктор Васнецов, холст, масло, 115×79.8, 1899. ГТГ.
Снегурочку вам покажу этим вечером, на усладу глаз и отдых души.
Своим появлением это полотно (как и, собственно, все творчество Васнецова) обязано дружбе великого художника с Саввой Мамонтовым — российским предпринимателем и покровителем искусств.
В 1881 году у Мамонтова появляется идея представить широкой публике театральную постановку пьесы «Снегурочка», написанную Островским. Он предлагает Васнецову поработать над декорациями будущего спектакля.
Спустя несколько лет Васнецову довелось заниматься оформлением сцены к опере Римского-Корсакова, и после этого он принимает решение о создании собственного полотна на эту тему.
Снегурочку вам покажу этим вечером, на усладу глаз и отдых души.
Своим появлением это полотно (как и, собственно, все творчество Васнецова) обязано дружбе великого художника с Саввой Мамонтовым — российским предпринимателем и покровителем искусств.
В 1881 году у Мамонтова появляется идея представить широкой публике театральную постановку пьесы «Снегурочка», написанную Островским. Он предлагает Васнецову поработать над декорациями будущего спектакля.
Спустя несколько лет Васнецову довелось заниматься оформлением сцены к опере Римского-Корсакова, и после этого он принимает решение о создании собственного полотна на эту тему.
«За 1,5 часа до этого», Дмитрий Шорин, холст, масло, 95х145, 2018.
Сегодня она будет в центре внимания, она будет к этому готова🤍
Сегодня она будет в центре внимания, она будет к этому готова
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM