Чтобы отметить 250-летие Каспара Давида Фридриха, Эрмитажу достаточно было бы просто выставить все имеющиеся у них шедевры — и выставка бы состоялась. Ведь в музее хранится самая большая коллекция Фридриха в мире за пределами Германии: это восемь картин, которые привезла в Россию принцесса Шарлотта Прусская, будущая императрица Александра Фёдоровна.
Однако кураторы пошли куда более сложным путём и собрали экспозицию, способную ответить на вопрос: а почему, собственно, этот юбилей и этот художник нам важны? И здесь сразу обнаруживается множество сюжетов, позволяющих поговорить не о немецкой истории, а о нашей собственной. Во-первых, сумрачные пейзажи сформировали вкус молодой императрицы и её двора, и Александра Фёдоровна любовалась ими вместе со своим учителем русского языка Василием Жуковским. А уж Жуковский в свою очередь был старшим товарищем и наставником для целой плеяды молодых литераторов, включая Александра Пушкина. При посредничестве Жуковского императрица покупала работы Фридриха, уже когда художник потерял популярность у себя на родине и остро нуждался в деньгах.
К тому моменту немецкие критики превозносили радостную и цветастую религиозную живопись, и художник, который затенял окна своей мастерской и выходил на улицу только в сумерках, всем казался странным, меланхоличным, и современники пеняли Фридриху, что, дескать, пишет он сплошную зиму, и туманы, и мрачные ели. И пока немецкому зрителю дарили наслаждение яркие краски и освещенные солнцем сцены, в России и зима, и еловые леса, и нечто, и туманна даль оказались невероятно востребованы. Василий Жуковский переводит немецкие баллады, учится рисовать с оглядкой именно на немецкий романтизм, и пишет свою «Светлану», расцвечивая немецкий сюжет приметами русского быта, используя те изобразительные средства, что были изобретены в Германии. Из «Светланы» вырастают «Руслан и Людмила», кажущиеся нам сосредоточием всего русского, хотя ещё Набоков отмечал условность этих декораций на крепком романтическом каркасе. Фридрих изобретал визуальный образ немецкой природы, а отечественные авторы смотрели на него и формировали образ России.
Продолжение: https://iskusstvo.com-info.ru/landshaft-dushi-kaspar-david-fridrih-i-rossiya/
Изображение: Каспар Давид Фридрих. Закат солнца (Братья), около 1835 года
#прямосейчасвпетербурге
Однако кураторы пошли куда более сложным путём и собрали экспозицию, способную ответить на вопрос: а почему, собственно, этот юбилей и этот художник нам важны? И здесь сразу обнаруживается множество сюжетов, позволяющих поговорить не о немецкой истории, а о нашей собственной. Во-первых, сумрачные пейзажи сформировали вкус молодой императрицы и её двора, и Александра Фёдоровна любовалась ими вместе со своим учителем русского языка Василием Жуковским. А уж Жуковский в свою очередь был старшим товарищем и наставником для целой плеяды молодых литераторов, включая Александра Пушкина. При посредничестве Жуковского императрица покупала работы Фридриха, уже когда художник потерял популярность у себя на родине и остро нуждался в деньгах.
К тому моменту немецкие критики превозносили радостную и цветастую религиозную живопись, и художник, который затенял окна своей мастерской и выходил на улицу только в сумерках, всем казался странным, меланхоличным, и современники пеняли Фридриху, что, дескать, пишет он сплошную зиму, и туманы, и мрачные ели. И пока немецкому зрителю дарили наслаждение яркие краски и освещенные солнцем сцены, в России и зима, и еловые леса, и нечто, и туманна даль оказались невероятно востребованы. Василий Жуковский переводит немецкие баллады, учится рисовать с оглядкой именно на немецкий романтизм, и пишет свою «Светлану», расцвечивая немецкий сюжет приметами русского быта, используя те изобразительные средства, что были изобретены в Германии. Из «Светланы» вырастают «Руслан и Людмила», кажущиеся нам сосредоточием всего русского, хотя ещё Набоков отмечал условность этих декораций на крепком романтическом каркасе. Фридрих изобретал визуальный образ немецкой природы, а отечественные авторы смотрели на него и формировали образ России.
Продолжение: https://iskusstvo.com-info.ru/landshaft-dushi-kaspar-david-fridrih-i-rossiya/
Изображение: Каспар Давид Фридрих. Закат солнца (Братья), около 1835 года
#прямосейчасвпетербурге
Вот этой картиной⛵️«На паруснике» (1818) открывается выставка Фридриха в Эрмитаже, и описанием медового месяца художника с любимой Каролиной открывается книжка 📗«Магия тишины» Флориана Иллиеса, посвященная Фридриху и вышедшая в издательстве Ad Marginem этой зимой. Полагаю, неслучайно😉
▪️Почти весь день длится их поездка на паруснике по блестящей воде залива, которая кажется то темно-синей, то лазурной. Фридрих не может насмотреться, его глаза живописца вбирают всё — лодки, снасти, мачты, хлопающие паруса, береговые линии слева и справа, ярко-зеленые деревья на утесах. Когда волшебный августовский день начинает угасать, дощатая палуба под их ногами еще хранит тепло солнечных лучей, им не нужно кутаться в плащи или платки. Из вечернего сумрака перед ними выплывает Штральзунд, как видение. Лина по-праздничному закалывает волосы. В красноватом свете заката поднимаются городские башни, их парусник тихо приближается к ним, Фридрих преисполнен благоговения, Лина, как ему кажется, тоже. «Этот момент я обязан написать, — думает он, объятый душевным пламенем. — Может быть, да, может быть, я впервые в жизни по-настоящему счастлив, вода подо мной, земля передо мной, воздух вокруг меня, моя рука в ее руке».
Пусть сегодняшний пост будет чем-то вроде валентинки❤️
#сундукисокровищ
▪️Почти весь день длится их поездка на паруснике по блестящей воде залива, которая кажется то темно-синей, то лазурной. Фридрих не может насмотреться, его глаза живописца вбирают всё — лодки, снасти, мачты, хлопающие паруса, береговые линии слева и справа, ярко-зеленые деревья на утесах. Когда волшебный августовский день начинает угасать, дощатая палуба под их ногами еще хранит тепло солнечных лучей, им не нужно кутаться в плащи или платки. Из вечернего сумрака перед ними выплывает Штральзунд, как видение. Лина по-праздничному закалывает волосы. В красноватом свете заката поднимаются городские башни, их парусник тихо приближается к ним, Фридрих преисполнен благоговения, Лина, как ему кажется, тоже. «Этот момент я обязан написать, — думает он, объятый душевным пламенем. — Может быть, да, может быть, я впервые в жизни по-настоящему счастлив, вода подо мной, земля передо мной, воздух вокруг меня, моя рука в ее руке».
Пусть сегодняшний пост будет чем-то вроде валентинки❤️
#сундукисокровищ
Коллеги из The Art Newspaper Russia открыли выставку «Это лучшее, что у нас есть» — торжественную, как начало Пятой симфонии.
На самом деле сперва они выпустили сборник своих лучших интервью с художниками (а у них было из чего выбрать!), а потом собрали выставку в Московском музее современного искусства с участием всех этих авторов. То есть в наличии громкие имена, знакомые и любимые работы, и заголовок, позаимствованный у Валерия Чтака, не обманывает.
Мне понравилось, что куратор Ирина Горлова очень деликатно и ненавязчиво впустила тексты на выставку. Понятно, что когда речь идет о газете, неминуем соблазн отгрохать гигантские простыни текста на всю стену, в конце концов художникам есть что сказать, а журналисты гордятся своими материалами. Но нет, короткие цитаты помещены в лайтбоксы и выглядят как арт-объекты, собирающие экспозицию в единое целое.
А еще больше мне понравилось, что вернисаж собрал множество людей из арт-среды, которых я давно уже не видела. С одной стороны, в этой толпе было не продохнуть. С другой, даже те, кто никуда не ходят, сюда добрались.
📌 18.02 - 18.05.2025
🏛 Гоголевский бульвар, 10/1
#прямосейчасвмоскве
На самом деле сперва они выпустили сборник своих лучших интервью с художниками (а у них было из чего выбрать!), а потом собрали выставку в Московском музее современного искусства с участием всех этих авторов. То есть в наличии громкие имена, знакомые и любимые работы, и заголовок, позаимствованный у Валерия Чтака, не обманывает.
Мне понравилось, что куратор Ирина Горлова очень деликатно и ненавязчиво впустила тексты на выставку. Понятно, что когда речь идет о газете, неминуем соблазн отгрохать гигантские простыни текста на всю стену, в конце концов художникам есть что сказать, а журналисты гордятся своими материалами. Но нет, короткие цитаты помещены в лайтбоксы и выглядят как арт-объекты, собирающие экспозицию в единое целое.
А еще больше мне понравилось, что вернисаж собрал множество людей из арт-среды, которых я давно уже не видела. С одной стороны, в этой толпе было не продохнуть. С другой, даже те, кто никуда не ходят, сюда добрались.
📌 18.02 - 18.05.2025
🏛 Гоголевский бульвар, 10/1
#прямосейчасвмоскве
В своё время в нашем номере «Живопись» художники и арт-критики много рассуждали о том, что в ренессансные времена картина считалась окном в пейзаж, а вот во второй половине ХХ века она превратилась в грязное, пыльное и наглухо закрытое окошко в помещении, где давно никто не проветривал. Недавно я наткнулась на продолжение этой темы в исследовании Сюзанны Хадсон. Она написала книгу о современной живописи (со множеством не самых известных имен), которая сейчас выходит в издательстве Ad Marginem, и меня там больше всего зацепила глава «Картина о картине». Вот, например, фрагмент:
▪️Гэри Хьюм еще в начале своей карьеры создал серию «Дверные картины» — около пятидесяти больших прямоугольных панелей, размеры которых точно повторяют размеры конкретного предмета, распашных дверей одной заброшенной государственной больницы в Лондоне. В 1988 году картины были выставлены с большим успехом на ключевой для целого поколения художников выставке Freeze, куратором которой был Дэмиен Хёрст. На мысль об этом проекте Хьюма навела пропаганда частной медицины на фоне сокращения финансирования Национальной службы здравоохранения, которое проводило правительство Маргарет Тэтчер. Вместе с тем дверь была прочитана художником как гибкая в плане цветового и формального решения модель, соответствующая при этом традиционному формату картины — прямоугольника на стене. Наконец, дверь — это метафорическое окно в другой мир, и в 2002 году, через десять лет после последней Дверной картины, Хьюм буквализировал эту метафору, написав картину с окном. Правда, стекло в его «окне» плотно закрашено черным цветом, так что картина демонстрирует лишь свою плоскую поверхность и отвергает прозрачность.
И тут, даже не знаю, надо ли напоминать картину Эрика Булатова, которая всё же оставляет нам шанс?
📌 Гэри Хьюм. Желтое окно, 2012
Краска, алюминиевый лист. 135.2 x 98.1 см
📌 Эрик Булатов. Дверь, 2009—11
Холст, масло, 210 × 150 см
#книгиназиму
▪️Гэри Хьюм еще в начале своей карьеры создал серию «Дверные картины» — около пятидесяти больших прямоугольных панелей, размеры которых точно повторяют размеры конкретного предмета, распашных дверей одной заброшенной государственной больницы в Лондоне. В 1988 году картины были выставлены с большим успехом на ключевой для целого поколения художников выставке Freeze, куратором которой был Дэмиен Хёрст. На мысль об этом проекте Хьюма навела пропаганда частной медицины на фоне сокращения финансирования Национальной службы здравоохранения, которое проводило правительство Маргарет Тэтчер. Вместе с тем дверь была прочитана художником как гибкая в плане цветового и формального решения модель, соответствующая при этом традиционному формату картины — прямоугольника на стене. Наконец, дверь — это метафорическое окно в другой мир, и в 2002 году, через десять лет после последней Дверной картины, Хьюм буквализировал эту метафору, написав картину с окном. Правда, стекло в его «окне» плотно закрашено черным цветом, так что картина демонстрирует лишь свою плоскую поверхность и отвергает прозрачность.
И тут, даже не знаю, надо ли напоминать картину Эрика Булатова, которая всё же оставляет нам шанс?
📌 Гэри Хьюм. Желтое окно, 2012
Краска, алюминиевый лист. 135.2 x 98.1 см
📌 Эрик Булатов. Дверь, 2009—11
Холст, масло, 210 × 150 см
#книгиназиму
И вот ещё один отрывок из той же главы — про зомби-формализм, по-прежнему весьма и весьма актуальный:
▪️В 2010-х годах абстракция была повсюду: она переживала новый расцвет, порвав с парадигмой медиум-специфичности, с идеологической подоплекой и с прогрессивными идеалами. В 2014 году критик и художник Уолтер Робинсон выпустил статью «На волне зомби-формализма», в которой ввел новый «изм» (большая редкость по нынешним временам, после почти двух веков авангарда и череды модернистских направлений). Зомби-формализм определялся в статье как «прямолинейный, редуктивный, эссенциалистский метод живописи, <…> реанимирующий списанную было в утиль эстетику Клемента Гринберга».
Для Робинсона же мотивом к написанию статьи послужило интервью с лос-анджелесским арт-спекулянтом Стефаном Симковицем, в котором тот хвастливо рассказывал, как скупает большое количество работ какого-нибудь художника, набирает армию его поклонников среди своих друзей и клиентов (нередко агрессивно продвигая его в соцсетях и распространяя снимки его эффектных работ онлайн), взвинчивает цены, а потом сбывает товар с рук, прежде чем пирамида рухнет. Робинсон возмутился самой практикой подобного манипулирования и снижением качества продвигаемого Симковицем искусства, а Солц вслед за ним перешел к критике абстрактной живописи как дорогостоящего интерьерного декора, опубликовав снимки сетчатых, монохромных, стильно приглушенных, мутных, то написанных красками, то напечатанных по трафарету или еще как-то картин, замеченных им в галереях и на стендах арт-ярмарок в течение одного года. Такой подборкой он хотел привлечь внимание к визуальной неразличимости всех этих творений внутри своих категорий («картины с брызгами» и т. п.), то есть к их взаимозаменяемости как экземпляров одного и того же товара на рынке.
#книгиназиму
▪️В 2010-х годах абстракция была повсюду: она переживала новый расцвет, порвав с парадигмой медиум-специфичности, с идеологической подоплекой и с прогрессивными идеалами. В 2014 году критик и художник Уолтер Робинсон выпустил статью «На волне зомби-формализма», в которой ввел новый «изм» (большая редкость по нынешним временам, после почти двух веков авангарда и череды модернистских направлений). Зомби-формализм определялся в статье как «прямолинейный, редуктивный, эссенциалистский метод живописи, <…> реанимирующий списанную было в утиль эстетику Клемента Гринберга».
Для Робинсона же мотивом к написанию статьи послужило интервью с лос-анджелесским арт-спекулянтом Стефаном Симковицем, в котором тот хвастливо рассказывал, как скупает большое количество работ какого-нибудь художника, набирает армию его поклонников среди своих друзей и клиентов (нередко агрессивно продвигая его в соцсетях и распространяя снимки его эффектных работ онлайн), взвинчивает цены, а потом сбывает товар с рук, прежде чем пирамида рухнет. Робинсон возмутился самой практикой подобного манипулирования и снижением качества продвигаемого Симковицем искусства, а Солц вслед за ним перешел к критике абстрактной живописи как дорогостоящего интерьерного декора, опубликовав снимки сетчатых, монохромных, стильно приглушенных, мутных, то написанных красками, то напечатанных по трафарету или еще как-то картин, замеченных им в галереях и на стендах арт-ярмарок в течение одного года. Такой подборкой он хотел привлечь внимание к визуальной неразличимости всех этих творений внутри своих категорий («картины с брызгами» и т. п.), то есть к их взаимозаменяемости как экземпляров одного и того же товара на рынке.
#книгиназиму
Друзья из Пристально от Black Square сосредоточились на теме арт-критики и собрали папку с каналами, где её следует искать. Радуюсь и тоже делюсь! https://www.group-telegram.com/addlist/j_y4WTnrlcYzNjEy
На картинке☝️ Валерий Чтак с выставки в Московском музее современного искусства «Это лучшее, что у нас есть».
На картинке☝️ Валерий Чтак с выставки в Московском музее современного искусства «Это лучшее, что у нас есть».
По следам всё той же выставки в Эрмитаже, думаю о наследии романтизма. Дело в том, что у наших современников к нему масса претензий, поскольку как раз во времена романтизма и под его влиянием формируется концепция национального государства в том виде, в котором она существует сегодня. Жители одной страны начинают задаваться вопросом, а чем мы отличаемся от соседей? Мы лучше или хуже? И самые заметные отличия — это, прежде всего, национальная история и природа. А как раз эти две темы больше всего интересуют художников и литераторов романтизма. Созданные романтиками образы приходят на ум первыми, когда человек пытается понять, кто он и откуда. Получатся, с одной стороны, романтики создали для нас национальную идентичность, с другой, — от национальной идентичности до национализма всего один шаг. И этот шаг был сделан в ХХ веке. И романтиков сейчас обвиняют, что их творчество и их идеи стали визуальной основой для развития нацизма.
Так инсталляция «Зимний путь» Ансельма Кифера, показанная в Третьяковской галерее в 2022 году, отсылает нас и к циклу Шуберта, и к романтическому пейзажу Фридриха, однако художник встраивает в этот пейзаж обугленные книги, больничную койку и автомат, приметы Второй мировой войны, которая как бы вырастает из немецкого искусства XIX века. В творчестве Фридриха Гитлер, действительно, находил изображение сумрачного германского духа, подлинной немецкой древности. Да и в записях самого художника можно отыскать цитаты в том духе, что немцы на голову выше французских варваров. Правда писал он это, когда наполеоновские войска стояли в соседней деревне, и семье художника грозила реальная опасность. В таком контексте его слова звучат уже несколько иначе.
И вот ещё что важно: на самом деле хоть многие картины Фридриха и отсылают нас к конкретным локациям, он не писал реальных немецких пейзажей. Он зарисовывал разные деревья, камни, очертания гор, а затем компоновал их, как придётся: если гору нужно передвинуть для более удачной композиции — он делал это безо всякого смущения. И сейчас в Эрмитаже легко увидеть, что этот истинно немецкий пейзаж легко превращается в пейзаж любой другой страны: Альпы становятся Кавказом, сумрачные немецкие ели — заснеженными лесами нашей средней полосы. В общем, возникает общий для всех европейских авторов идеальный идеал, именно потому что никакая реальность, ни российская, ни немецкая, на французская до этого идеала не дотягивает. Его приходится создавать самому художнику.
📌Изображение: Пейзаж с Замком. Андреас Роллер, 1842-1843 гг., Государственный Эрмитаж
#прямосейчасвпетербурге
Так инсталляция «Зимний путь» Ансельма Кифера, показанная в Третьяковской галерее в 2022 году, отсылает нас и к циклу Шуберта, и к романтическому пейзажу Фридриха, однако художник встраивает в этот пейзаж обугленные книги, больничную койку и автомат, приметы Второй мировой войны, которая как бы вырастает из немецкого искусства XIX века. В творчестве Фридриха Гитлер, действительно, находил изображение сумрачного германского духа, подлинной немецкой древности. Да и в записях самого художника можно отыскать цитаты в том духе, что немцы на голову выше французских варваров. Правда писал он это, когда наполеоновские войска стояли в соседней деревне, и семье художника грозила реальная опасность. В таком контексте его слова звучат уже несколько иначе.
И вот ещё что важно: на самом деле хоть многие картины Фридриха и отсылают нас к конкретным локациям, он не писал реальных немецких пейзажей. Он зарисовывал разные деревья, камни, очертания гор, а затем компоновал их, как придётся: если гору нужно передвинуть для более удачной композиции — он делал это безо всякого смущения. И сейчас в Эрмитаже легко увидеть, что этот истинно немецкий пейзаж легко превращается в пейзаж любой другой страны: Альпы становятся Кавказом, сумрачные немецкие ели — заснеженными лесами нашей средней полосы. В общем, возникает общий для всех европейских авторов идеальный идеал, именно потому что никакая реальность, ни российская, ни немецкая, на французская до этого идеала не дотягивает. Его приходится создавать самому художнику.
📌Изображение: Пейзаж с Замком. Андреас Роллер, 1842-1843 гг., Государственный Эрмитаж
#прямосейчасвпетербурге
В 2021 году (а кажется, что в другой жизни) в Третьяковке открылась немецко-российская выставка «Мечты о свободе» — про актуальность идей романтизма для современного искусства, туда даже включили ряд работ современных авторов. Мы тогда обсуждали этот проект с художником Иваном Новиковым. И Иван как раз упоминал все эти идеи национального превосходства, которые выросли из романтизма:
▪️«То, что романтизм живее всех живых, — это абсолютно искусственная идея, и её поэтому нельзя убедительно показать. Романтизм — замечательное гнёздышко, из которого выросли национал-социализм и концлагеря, но одновременно идея свободы и силы вдохновения. В этом смысле мне кажется попросту опасным говорить, что сегодня мы живём в эпоху нового романтизма. Знаю, что некоторые из моих коллег размышляют о том, что значит романтизм сегодня, но я не представляю ни одного куратора или художника, которые на полном серьёзе сказали бы, что идеи романтизма сегодня релевантны. Возможно, попытка осовременить это направление была бы интереснее, если бы они нарочито показали абсурдность этого жеста, вытащили бы оттуда вещи, которые могли бы дать что‑то нам сегодняшним, открыли бы что‑то в нас самих».
Мне вот сейчас кажется, что романтизм актуален в ином смысле. Дело в том, что важной идеей эпохи Просвещения было противостояние человека и природы: человек должен был природу побороть. Эта идея возникла не на пустом месте: в те годы мир был потрясен Лиссабонским землетрясением 1755 года — за один день большая европейская столица была разрушена до основания, жертвы исчислялись десятками тысяч, всем было страшно, что такое может произойти и с ними. Однако пришедший за Просвещением романтизм говорил, что в природе нужно видеть не врага, а друга, художнику следует искать близости с лесом, туманом, закатом, миром зверей и птиц. И вот как раз эту идею мы переняли от романтизма, причём тоже взваливая все грехи на плечи рационального Просвещения и Декарта с его попыткой поставить мыслящего человека в центр мироздания.
#хорошопоговорили
▪️«То, что романтизм живее всех живых, — это абсолютно искусственная идея, и её поэтому нельзя убедительно показать. Романтизм — замечательное гнёздышко, из которого выросли национал-социализм и концлагеря, но одновременно идея свободы и силы вдохновения. В этом смысле мне кажется попросту опасным говорить, что сегодня мы живём в эпоху нового романтизма. Знаю, что некоторые из моих коллег размышляют о том, что значит романтизм сегодня, но я не представляю ни одного куратора или художника, которые на полном серьёзе сказали бы, что идеи романтизма сегодня релевантны. Возможно, попытка осовременить это направление была бы интереснее, если бы они нарочито показали абсурдность этого жеста, вытащили бы оттуда вещи, которые могли бы дать что‑то нам сегодняшним, открыли бы что‑то в нас самих».
Мне вот сейчас кажется, что романтизм актуален в ином смысле. Дело в том, что важной идеей эпохи Просвещения было противостояние человека и природы: человек должен был природу побороть. Эта идея возникла не на пустом месте: в те годы мир был потрясен Лиссабонским землетрясением 1755 года — за один день большая европейская столица была разрушена до основания, жертвы исчислялись десятками тысяч, всем было страшно, что такое может произойти и с ними. Однако пришедший за Просвещением романтизм говорил, что в природе нужно видеть не врага, а друга, художнику следует искать близости с лесом, туманом, закатом, миром зверей и птиц. И вот как раз эту идею мы переняли от романтизма, причём тоже взваливая все грехи на плечи рационального Просвещения и Декарта с его попыткой поставить мыслящего человека в центр мироздания.
#хорошопоговорили
В галерее «Граунд Солянка» сейчас много-много Юрия Злотникова. Нет, даже так: много-много-много Злотникова. И не только его одного.
Дело в том, что этого художника не так-то уж просто смотреть. Какое-то мельтешение линий, кружочков, разноцветных пятен краски, вроде безо всякого порядка. И дело не в пресловутом «мой ребенок лучше нарисует». Даже, когда знаешь, что Злотников исследовал биологию восприятия, искал, как разные импульсы воздействуют на нашу психофизиологию, — даже в этом случае сложно дать этим работам время подействовать на тебя. Если идёшь по выставке стандартным музейным шагом, то ничего не почувствуешь.
Но раз уж этот художник такой сложный, то надо его как-то приблизить к зрителю, дать ему необходимый контекст — решила галерея pop/off/art, которая всерьез взялась продвигать наследие Злотникова. Они договорились с «Солянкой» и вместе представили экспозицию, где в пандан Злотникову показывают ранний киноавангард, в частности работы Ганса Рихтера, Вуди и Штейны Васюлка, Оскара Фишингера и других авторов, чья анимация часто выглядит, как ненастроенный телевизор. Поцарапанная кинопленка, пульсирующий цвет, движущиеся геометрические объекты — это всё про то, как мы реагируем на разные раздражители, и в медицинском смысле, и в художественном. В советское время те же вопросы волновали, например, Булата Галеева, который создал НИИ «Прометей» и был одним из первых в мире медиахудожников, чьи работы показывали на австрийской Ars Electronica, а у нас его мало кто знает.
Юрий Злотников работал в ситуации, когда на человека обрушился вал научно-технических изобретений, интернет-космос-клонирование генома, и через взаимодействие с машиной художник пытался понять, а где же в этом новом мире место человека? А место Бога?
Пока шла кураторская экскурсия одна из учениц Злотникова рассказывала, что тот её спрашивал: «Вот почему нынешняя молодежь при встрече обнимается?» Дескать, в моё время такого не было. И сам же отвечал: «А потому что люди пытаются убедиться в реальности друг друга». Возможно, он был прав.
📌 Вперед, к Злотникову!
🏛 Граунд Солянка, ул. Солянка, д. ½, стр. 2, вход с улицы Забелина
⏰ 26 февраля 2025 — 22 апреля 2025
#прямосейчасвмоскве
Дело в том, что этого художника не так-то уж просто смотреть. Какое-то мельтешение линий, кружочков, разноцветных пятен краски, вроде безо всякого порядка. И дело не в пресловутом «мой ребенок лучше нарисует». Даже, когда знаешь, что Злотников исследовал биологию восприятия, искал, как разные импульсы воздействуют на нашу психофизиологию, — даже в этом случае сложно дать этим работам время подействовать на тебя. Если идёшь по выставке стандартным музейным шагом, то ничего не почувствуешь.
Но раз уж этот художник такой сложный, то надо его как-то приблизить к зрителю, дать ему необходимый контекст — решила галерея pop/off/art, которая всерьез взялась продвигать наследие Злотникова. Они договорились с «Солянкой» и вместе представили экспозицию, где в пандан Злотникову показывают ранний киноавангард, в частности работы Ганса Рихтера, Вуди и Штейны Васюлка, Оскара Фишингера и других авторов, чья анимация часто выглядит, как ненастроенный телевизор. Поцарапанная кинопленка, пульсирующий цвет, движущиеся геометрические объекты — это всё про то, как мы реагируем на разные раздражители, и в медицинском смысле, и в художественном. В советское время те же вопросы волновали, например, Булата Галеева, который создал НИИ «Прометей» и был одним из первых в мире медиахудожников, чьи работы показывали на австрийской Ars Electronica, а у нас его мало кто знает.
Юрий Злотников работал в ситуации, когда на человека обрушился вал научно-технических изобретений, интернет-космос-клонирование генома, и через взаимодействие с машиной художник пытался понять, а где же в этом новом мире место человека? А место Бога?
Пока шла кураторская экскурсия одна из учениц Злотникова рассказывала, что тот её спрашивал: «Вот почему нынешняя молодежь при встрече обнимается?» Дескать, в моё время такого не было. И сам же отвечал: «А потому что люди пытаются убедиться в реальности друг друга». Возможно, он был прав.
📌 Вперед, к Злотникову!
🏛 Граунд Солянка, ул. Солянка, д. ½, стр. 2, вход с улицы Забелина
⏰ 26 февраля 2025 — 22 апреля 2025
#прямосейчасвмоскве
Несколько работ с аукциона галеристки Ольги Поповой, которому она выбрала поэтичное название «Пещера красивых бровей» (оно взято из живописной серии Ивана Горшкова). На предаукционной выставке представлено 55 молодых (до сорока лет включительно) художников, что, разумеется, не значит неизвестных.
✔️Миро Настя. Панельки из серии «Возвращение домой», 2023
✔️Горшков Иван. No9 из серии «Пещера красивых бровей», 2018
✔️Рубеко Олеся. Рисовые поля и ловушки для птиц, 2024
✔️Кононов-Гредин Василий. Посвящение Розановой, 2024
✔️Глазун Алина. Без названия, 2024
А вы знаете, что такое «неотложная ставка»? Я вот не знала. Это значит вот что: человек делает самую первую ставку на лот и может получить работу, только если никто не предложит цену выше. Если же кто-то поднимет цену, автору неотложной ставки работа не достанется, зато он получит определенный процент итоговой суммы покупки. В данном случае — 2 %
Аукцион состоится 📌 6 марта. До этого можно просто сходить на выставку. Ну, и подивиться нынешним ценам на молодое искусство тоже 👀
🏛 Академика Сахарова, 7
Вход слева от Surf Coffee
#прямосейчасвмоскве
✔️Миро Настя. Панельки из серии «Возвращение домой», 2023
✔️Горшков Иван. No9 из серии «Пещера красивых бровей», 2018
✔️Рубеко Олеся. Рисовые поля и ловушки для птиц, 2024
✔️Кононов-Гредин Василий. Посвящение Розановой, 2024
✔️Глазун Алина. Без названия, 2024
А вы знаете, что такое «неотложная ставка»? Я вот не знала. Это значит вот что: человек делает самую первую ставку на лот и может получить работу, только если никто не предложит цену выше. Если же кто-то поднимет цену, автору неотложной ставки работа не достанется, зато он получит определенный процент итоговой суммы покупки. В данном случае — 2 %
Аукцион состоится 📌 6 марта. До этого можно просто сходить на выставку. Ну, и подивиться нынешним ценам на молодое искусство тоже 👀
🏛 Академика Сахарова, 7
Вход слева от Surf Coffee
#прямосейчасвмоскве