Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Третья часть Концерта №2 Сергея Рахманинова в исполнении Дениса Мацуева и Национального филармонического оркестра России под управлением Владимира Спивакова.
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
12 июня 1941 года в Челси (штат Массачусетс) родился культовый джазовый музыкант и композитор Чик Кориа.
Его отец был одаренным трубачом и дал сыну первые уроки, едва тому исполнилось четыре года. Мальчик охотно занимался на рояле, осваивал азы теории и слушал много грампластинок. Его кумирами были мастера джаза Диззи Гиллеспи, Чарли Паркер, Билли Экстайн, Арт Тейтум.
Кругозор юноши не ограничивался джазом. Он увлекается игрой пианиста Артура Рубинштейна, с интересом изучает партитуры Игоря Стравинского, Франсиса Пуленка, Эрика Сати, знакомится с фольклором разных континентов. Все эти увлечения так или иначе претворяются в его собственном творчестве.
Первые профессиональные выступления Кориа относятся к 1962–1963 годам, когда он играл на рояле в джазовых группах Монго Сантамария и Вилли Бобо. В середине 1960-х годов — сотрудничал с известным джазовым трубачом Блю Митчеллом и впервые записал свои композиции на пластинки фирмы «Blue note».
В 1968 году молодой музыкант, уже достаточно опытный, присоединился к группе Майлса Дэвиса, который в ту пору увлекся авангардным «электронным джаз-роком», — так было положено начало новому направлению, получившему название «фьюжн».
Сотрудничество с Дэвисом вообще было для Кориа очень продуктивным и дало импульс для исканий в сфере свободной импровизации, которая впоследствии составила важную часть его искусства.
Следующее десятилетие — период интенсивного творчества, исканий в самых разнообразных стилях — и вне всяких стилей. Кориа работал преимущественно в небольших ансамблях — трио и квартетах, сотрудничая с контрабасистом Дэйвом Холландом, ударником Барри Алтшулем, духовиком Энтони Бакстоном и другими музыкантами, развивающими и воплощающими его идеи.
Еще более ярко музыкант раскрылся в последующие годы, выступая с двумя созданными им группами с одинаковым названием «Возвращение навсегда». В отличие от первой, с характерными для нее выразительными мелодиями, романтическим колоритом и зажигательными латиноамериканскими ритмами, вторая имела несколько иной посыл: здесь Кориа постепенно пришел к использованию элементов рок-музыки.
В начале 1980-х годов среди московских музыкантов и любителей музыки пронесся слух: приехал Чик Кориа. Слух подтвердился, хотя оказалось, что это отнюдь не гастроли в обычном смысле слова: открытых концертов не было, все проходило в формате встреч с музыкантами. На одной из них Кориа преподнес москвичам сюрприз: в программу он включил импровизацию на темы музыки одного из любимых своих композиторов — Родиона Щедрина. Музыканты встретились тогда впервые, и эта встреча положила начало их плодотворному творческому сотрудничеству. Так, например, импровизационные «диалоги» музыкантов стали сенсацией Мюнхенского фортепианного лета 1983 года.
Чик Кориа достиг в музыке поистине культового статуса. Он был отмечен самой высокой американской наградой для джазовых музыкантов — премией Мастер джаза «NEA Jazz Master» Национального фонда искусств США. Среди лауреатов премии «Грэмми» он занимает четвертое место по количеству номинаций: Кориа номинировался на премию 75 раз и стал ее обладателем 28 раз, кроме того, он дважды завоевывал премию «LatinGrammy».
Музыкант умер 9 февраля 2021 года от редкой формы рака, обнаруженной у него незадолго до смерти. В сообщении для поклонников и коллег, опубликованном семьей, он написал: «Моя миссия всегда состояла в том, чтобы приносить радость творчества повсюду, где я мог, и делать это со всеми теми артистами, которыми я так восхищаюсь, — в этом было богатство моей жизни».
Его отец был одаренным трубачом и дал сыну первые уроки, едва тому исполнилось четыре года. Мальчик охотно занимался на рояле, осваивал азы теории и слушал много грампластинок. Его кумирами были мастера джаза Диззи Гиллеспи, Чарли Паркер, Билли Экстайн, Арт Тейтум.
Кругозор юноши не ограничивался джазом. Он увлекается игрой пианиста Артура Рубинштейна, с интересом изучает партитуры Игоря Стравинского, Франсиса Пуленка, Эрика Сати, знакомится с фольклором разных континентов. Все эти увлечения так или иначе претворяются в его собственном творчестве.
Первые профессиональные выступления Кориа относятся к 1962–1963 годам, когда он играл на рояле в джазовых группах Монго Сантамария и Вилли Бобо. В середине 1960-х годов — сотрудничал с известным джазовым трубачом Блю Митчеллом и впервые записал свои композиции на пластинки фирмы «Blue note».
В 1968 году молодой музыкант, уже достаточно опытный, присоединился к группе Майлса Дэвиса, который в ту пору увлекся авангардным «электронным джаз-роком», — так было положено начало новому направлению, получившему название «фьюжн».
Сотрудничество с Дэвисом вообще было для Кориа очень продуктивным и дало импульс для исканий в сфере свободной импровизации, которая впоследствии составила важную часть его искусства.
Следующее десятилетие — период интенсивного творчества, исканий в самых разнообразных стилях — и вне всяких стилей. Кориа работал преимущественно в небольших ансамблях — трио и квартетах, сотрудничая с контрабасистом Дэйвом Холландом, ударником Барри Алтшулем, духовиком Энтони Бакстоном и другими музыкантами, развивающими и воплощающими его идеи.
Еще более ярко музыкант раскрылся в последующие годы, выступая с двумя созданными им группами с одинаковым названием «Возвращение навсегда». В отличие от первой, с характерными для нее выразительными мелодиями, романтическим колоритом и зажигательными латиноамериканскими ритмами, вторая имела несколько иной посыл: здесь Кориа постепенно пришел к использованию элементов рок-музыки.
В начале 1980-х годов среди московских музыкантов и любителей музыки пронесся слух: приехал Чик Кориа. Слух подтвердился, хотя оказалось, что это отнюдь не гастроли в обычном смысле слова: открытых концертов не было, все проходило в формате встреч с музыкантами. На одной из них Кориа преподнес москвичам сюрприз: в программу он включил импровизацию на темы музыки одного из любимых своих композиторов — Родиона Щедрина. Музыканты встретились тогда впервые, и эта встреча положила начало их плодотворному творческому сотрудничеству. Так, например, импровизационные «диалоги» музыкантов стали сенсацией Мюнхенского фортепианного лета 1983 года.
Чик Кориа достиг в музыке поистине культового статуса. Он был отмечен самой высокой американской наградой для джазовых музыкантов — премией Мастер джаза «NEA Jazz Master» Национального фонда искусств США. Среди лауреатов премии «Грэмми» он занимает четвертое место по количеству номинаций: Кориа номинировался на премию 75 раз и стал ее обладателем 28 раз, кроме того, он дважды завоевывал премию «LatinGrammy».
Музыкант умер 9 февраля 2021 года от редкой формы рака, обнаруженной у него незадолго до смерти. В сообщении для поклонников и коллег, опубликованном семьей, он написал: «Моя миссия всегда состояла в том, чтобы приносить радость творчества повсюду, где я мог, и делать это со всеми теми артистами, которыми я так восхищаюсь, — в этом было богатство моей жизни».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Чик Кориа исполняет композиции со своего шестого сольного альбома Children’s Songs. ❤️
Видео с Летнего фортепианного фестиваля в Мюнхене. 1982 год.
#ДляНастроения
Видео с Летнего фортепианного фестиваля в Мюнхене. 1982 год.
#ДляНастроения
12 июня 1997 года в военном госпитале в пригороде Парижа ушел из жизни Булат Окуджава.
Мало кто знает, что за день до смерти Булат Шалвович был крещен под именем Иоанн — в честь старца Иоанна Крестьянкина, у которого бывала его жена Ольга Владимировна. Во время одного из разговоров в ответ на упоминание об атеизме ее мужа Крестьянкин вдруг сказал: «Ино жена мужа ругает-ругает, да сама и окрестит. Святой водой, а нет святой — то и кипяченой. А кипяченой нет — то из-под крана».
Еще в 1980-е годы на вопрос, верит ли он в Бога, Окуджава отвечал, что после всего того, что он видел и на войне, в Бога верить невозможно. Однако многие его стихи («Вот комната эта – храни ее Бог…», «Молитва Франсуа Вийона» и др.) пропитаны верой в спасителя. Примечателен и такой факт биографии Окуджавы: в 1960-е годы он подарил Белле Ахмадулиной крестик.
Стихотворение «Почему мы исчезаем…» — про отношения с Богом — Булат Шалвович любил читать на своих заграничных концертах.
* * *
Почему мы исчезаем,
превращаясь в дым и пепел,
в глинозем, в солончаки,
в дух, что так неосязаем,
в прах, что выглядит нелепым, —
нытики и остряки?
Почему мы исчезаем
так внезапно, так жестоко,
даже слишком, может быть?
Потому что притязаем,
докопавшись до истока,
миру истину открыть.
Вот она в руках как будто,
можно, кажется, потрогать,
свет ее слепит глаза...
В ту же самую минуту
Некто нас берет под локоть
и уводит в небеса.
Это так несправедливо,
горько и невероятно —
невозможно осознать:
был счастливым, жил красиво,
но уже нельзя обратно,
чтоб по-умному начать.
Может быть, идущий следом,
зная обо всем об этом,
изберет надежный путь?
Может, новая когорта
из людей иного сорта
изловчится как-нибудь?
Все чревато повтореньем.
Он, объятый вдохновеньем,
зорко с облака следит.
И грядущим поколеньям,
обоженным нетерпеньем,
тоже это предстоит.
1986
#Интересное #Поэтория
Мало кто знает, что за день до смерти Булат Шалвович был крещен под именем Иоанн — в честь старца Иоанна Крестьянкина, у которого бывала его жена Ольга Владимировна. Во время одного из разговоров в ответ на упоминание об атеизме ее мужа Крестьянкин вдруг сказал: «Ино жена мужа ругает-ругает, да сама и окрестит. Святой водой, а нет святой — то и кипяченой. А кипяченой нет — то из-под крана».
Еще в 1980-е годы на вопрос, верит ли он в Бога, Окуджава отвечал, что после всего того, что он видел и на войне, в Бога верить невозможно. Однако многие его стихи («Вот комната эта – храни ее Бог…», «Молитва Франсуа Вийона» и др.) пропитаны верой в спасителя. Примечателен и такой факт биографии Окуджавы: в 1960-е годы он подарил Белле Ахмадулиной крестик.
Стихотворение «Почему мы исчезаем…» — про отношения с Богом — Булат Шалвович любил читать на своих заграничных концертах.
* * *
Почему мы исчезаем,
превращаясь в дым и пепел,
в глинозем, в солончаки,
в дух, что так неосязаем,
в прах, что выглядит нелепым, —
нытики и остряки?
Почему мы исчезаем
так внезапно, так жестоко,
даже слишком, может быть?
Потому что притязаем,
докопавшись до истока,
миру истину открыть.
Вот она в руках как будто,
можно, кажется, потрогать,
свет ее слепит глаза...
В ту же самую минуту
Некто нас берет под локоть
и уводит в небеса.
Это так несправедливо,
горько и невероятно —
невозможно осознать:
был счастливым, жил красиво,
но уже нельзя обратно,
чтоб по-умному начать.
Может быть, идущий следом,
зная обо всем об этом,
изберет надежный путь?
Может, новая когорта
из людей иного сорта
изловчится как-нибудь?
Все чревато повтореньем.
Он, объятый вдохновеньем,
зорко с облака следит.
И грядущим поколеньям,
обоженным нетерпеньем,
тоже это предстоит.
1986
#Интересное #Поэтория
12 июня 1963 года в нью-йоркском кинотеатре Rivoli состоялась мировая премьера «Клеопатры» — одного из первых голливудских блокбастеров. Впервые за историю Голливуда гонорар актрисы составил $1 млн при общем бюджете ленты в 40 миллионов долларов.
Помню как в детстве меня поразил этот фильм. Не в последнюю очередь, конечно, благодаря нарядам главной героини.
Общее количество костюмов, разработанных мастерицами Витторио Нино Новарезе, Рени Конли и Ирен Шарафф, составило более 26 тысяч единиц. Элизабет Тейлор сменила на протяжении всей ленты 65 нарядов (факт, попавший в Книгу рекордов Гиннесса за самое частое переодевание в кино). Нескромный гардероб обошелся студии примерно в $195 тыс. — самую большую сумму из всех, что когда-либо выделяли на одного персонажа.
Старания костюмеров оценили в Американской киноакадемии: одна из четырех статуэток премии «Оскар» досталась их команде.
Именно Тейлор в образе Клеопатры завела моду на змеиные кольца, геометрические стрижки и подчеркивающие фигуру платья. Запрос на макияж «глаза Клеопатры» побил все рекорды. В том же году Revlon выпустили коллекцию под названием «Глаза Сфинкса».
В своей книге «Библия моды» фэшн-эксперт и телеведущий Тим Ганн пишет: «Мы склонны считать древнейшие цивилизации примитивными, когда дело касается одежды, но пошив древнеегипетского наряда требовал значительных навыков и терпения! Его нужно было сшить, посадить по фигуре и украсить. Как мы видим на примере пирамид, эти древние египтяне не пасовали перед трудностями». По его мнению, Клеопатра не носила драпированную одежду и предпочитала облегающие платья, — такими их и сделала ответственная за костюмы главной героини Ирен Шарафф.
Несомненно, ключевым образом фильма стал комплект из платья-накидки, эффектного головного убора (шути) и короны, украшенной змеями, в котором Клеопатра на внушительной колеснице прибыла в Рим и представила публике будущего фараона Египта.
В 2012 году наряд из тонких кожаных пластин, вручную покрытых 24-каратным золотом и расшитых бусинами, ушел с молотка чуть меньше чем за 60 тысяч долларов.
#Интересное
Помню как в детстве меня поразил этот фильм. Не в последнюю очередь, конечно, благодаря нарядам главной героини.
Общее количество костюмов, разработанных мастерицами Витторио Нино Новарезе, Рени Конли и Ирен Шарафф, составило более 26 тысяч единиц. Элизабет Тейлор сменила на протяжении всей ленты 65 нарядов (факт, попавший в Книгу рекордов Гиннесса за самое частое переодевание в кино). Нескромный гардероб обошелся студии примерно в $195 тыс. — самую большую сумму из всех, что когда-либо выделяли на одного персонажа.
Старания костюмеров оценили в Американской киноакадемии: одна из четырех статуэток премии «Оскар» досталась их команде.
Именно Тейлор в образе Клеопатры завела моду на змеиные кольца, геометрические стрижки и подчеркивающие фигуру платья. Запрос на макияж «глаза Клеопатры» побил все рекорды. В том же году Revlon выпустили коллекцию под названием «Глаза Сфинкса».
В своей книге «Библия моды» фэшн-эксперт и телеведущий Тим Ганн пишет: «Мы склонны считать древнейшие цивилизации примитивными, когда дело касается одежды, но пошив древнеегипетского наряда требовал значительных навыков и терпения! Его нужно было сшить, посадить по фигуре и украсить. Как мы видим на примере пирамид, эти древние египтяне не пасовали перед трудностями». По его мнению, Клеопатра не носила драпированную одежду и предпочитала облегающие платья, — такими их и сделала ответственная за костюмы главной героини Ирен Шарафф.
Несомненно, ключевым образом фильма стал комплект из платья-накидки, эффектного головного убора (шути) и короны, украшенной змеями, в котором Клеопатра на внушительной колеснице прибыла в Рим и представила публике будущего фараона Египта.
В 2012 году наряд из тонких кожаных пластин, вручную покрытых 24-каратным золотом и расшитых бусинами, ушел с молотка чуть меньше чем за 60 тысяч долларов.
#Интересное
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
В жизни Лучано Паваротти было много дуэтов, но самый трогательный, пожалуй, — с его папой Фернандо, записанный во время службы в Моденском кафедральном соборе в 1978 году.
Отец и сын исполняют «Panis Angelicus» Сезара Франка.
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
Отец и сын исполняют «Panis Angelicus» Сезара Франка.
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
13 июня 1912 года в Москве открылся Музей изящных искусств имени Александра III, нынешний Пушкинский музей.
Идеологом его создания стал Иван Владимирович Цветаев, профессор кафедры теории и истории искусства Московского университета, доктор римской словесности, историк искусства и отец Марины Цветаевой.
Открытие музея в сопровождении матери и дочерей посетил Николай II. В этот же день Цветаев (на втором фото справа от императора) стал первым директором музея.
Событие вызвало большой интерес со стороны общественности: в первые годы средняя посещаемость составляла 700-800 человек в будние дни, а в выходные — 2500 человек. Согласно легенде, первым посетителем еще закрытого музея стал истопник Алексей, который работал у Ивана Цветаева и попросил провести его внутрь (в начале XX века вход в учреждения культуры простолюдинам был воспрещен).
В оформлении музейной экспозиции Цветаеву помогали Василий Поленов, Игорь Грабарь, Константин Коровин, Федор Шехтель и другие известные деятели русской культуры. Так, в первую экспозицию, представленную на открытии, вошли слепки со скульптур раннего средневековья и эпохи Возрождения: с оригиналов римских и греческих скульптур делались формы, которые потом заливались гипсом.
Окончательно художественная экспозиция сложилось в 1948 году, после передачи в музей собрания Государственного музея нового западного искусства, созданного на основе коллекций Ивана Морозова и Сергея Щукина. В этот период в коллекцию музея вошли знаменитые работы «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне, «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега, «Обнаженная» Пьера Огюста Ренуара, «Мост через Марну в Кретее» и два вида горы Сен-Виктуар Поля Сезанна, «Красные виноградники в Арле» и «Прогулка заключенных» Винсента Ван Гога, а также полотна Анри Матисса, Поля Гогена, Пьера Боннара, Андре Дерена и Фернана Леже.
На сегодняшний день экспозиция Пушкинского состоит из более чем 670 тысяч предметов и включает коллекцию слепков с античных статуй, художественные произведения, археологические находки, а также собрание предметов из Древнего Египта и Древнего Рима.
Фрагмент из очерка свидетельницы событий Марины Цветаевой «Открытие музея», написанного в 1933 году:
«Белое видение лестницы, владычествующей над всем и всеми. У правого крыла — как страж — в нечеловеческий и даже не в божественный: в героический рост — микеланджеловский Давид. Гости, в ожидании государя, разбредаются по залам. Вдруг — звон, грохот, испуг, отскок, серебряные осколки и потоки: это восемнадцатилетний зять моего отца задел поднос с кавказскими водами, побежавшими и засверкавшими, как породившие их источники. Старички, удостоверившись, что не бомба, успокаиваются. Старики, старики, старики. Ордена, ордена, ордена. Ни лба без рытвин, ни груди без звезды. Мой брат и муж здесь единственно — молодые. Группа молодых великих князей не в счет, ибо это именно группа: мраморный барельеф. Мнится, что сегодня вся старость России притекла сюда на поклон вечной юности Греции. Живой урок истории и философии: вот что время делает с людьми, вот что — с богами. Вот что время делает с человеком, вот что (взгляд на статуи) — с человеком делает искусство. И, последний урок: вот что время делает с человеком, вот что человек делает со временем. Но я об этом, по молодости лет, не думаю, я только чувствую жуть».
Идеологом его создания стал Иван Владимирович Цветаев, профессор кафедры теории и истории искусства Московского университета, доктор римской словесности, историк искусства и отец Марины Цветаевой.
Открытие музея в сопровождении матери и дочерей посетил Николай II. В этот же день Цветаев (на втором фото справа от императора) стал первым директором музея.
Событие вызвало большой интерес со стороны общественности: в первые годы средняя посещаемость составляла 700-800 человек в будние дни, а в выходные — 2500 человек. Согласно легенде, первым посетителем еще закрытого музея стал истопник Алексей, который работал у Ивана Цветаева и попросил провести его внутрь (в начале XX века вход в учреждения культуры простолюдинам был воспрещен).
В оформлении музейной экспозиции Цветаеву помогали Василий Поленов, Игорь Грабарь, Константин Коровин, Федор Шехтель и другие известные деятели русской культуры. Так, в первую экспозицию, представленную на открытии, вошли слепки со скульптур раннего средневековья и эпохи Возрождения: с оригиналов римских и греческих скульптур делались формы, которые потом заливались гипсом.
Окончательно художественная экспозиция сложилось в 1948 году, после передачи в музей собрания Государственного музея нового западного искусства, созданного на основе коллекций Ивана Морозова и Сергея Щукина. В этот период в коллекцию музея вошли знаменитые работы «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне, «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега, «Обнаженная» Пьера Огюста Ренуара, «Мост через Марну в Кретее» и два вида горы Сен-Виктуар Поля Сезанна, «Красные виноградники в Арле» и «Прогулка заключенных» Винсента Ван Гога, а также полотна Анри Матисса, Поля Гогена, Пьера Боннара, Андре Дерена и Фернана Леже.
На сегодняшний день экспозиция Пушкинского состоит из более чем 670 тысяч предметов и включает коллекцию слепков с античных статуй, художественные произведения, археологические находки, а также собрание предметов из Древнего Египта и Древнего Рима.
Фрагмент из очерка свидетельницы событий Марины Цветаевой «Открытие музея», написанного в 1933 году:
«Белое видение лестницы, владычествующей над всем и всеми. У правого крыла — как страж — в нечеловеческий и даже не в божественный: в героический рост — микеланджеловский Давид. Гости, в ожидании государя, разбредаются по залам. Вдруг — звон, грохот, испуг, отскок, серебряные осколки и потоки: это восемнадцатилетний зять моего отца задел поднос с кавказскими водами, побежавшими и засверкавшими, как породившие их источники. Старички, удостоверившись, что не бомба, успокаиваются. Старики, старики, старики. Ордена, ордена, ордена. Ни лба без рытвин, ни груди без звезды. Мой брат и муж здесь единственно — молодые. Группа молодых великих князей не в счет, ибо это именно группа: мраморный барельеф. Мнится, что сегодня вся старость России притекла сюда на поклон вечной юности Греции. Живой урок истории и философии: вот что время делает с людьми, вот что — с богами. Вот что время делает с человеком, вот что (взгляд на статуи) — с человеком делает искусство. И, последний урок: вот что время делает с человеком, вот что человек делает со временем. Но я об этом, по молодости лет, не думаю, я только чувствую жуть».