13 июня 1912 года в Москве открылся Музей изящных искусств имени Александра III, нынешний Пушкинский музей.
Идеологом его создания стал Иван Владимирович Цветаев, профессор кафедры теории и истории искусства Московского университета, доктор римской словесности, историк искусства и отец Марины Цветаевой.
Открытие музея в сопровождении матери и дочерей посетил Николай II. В этот же день Цветаев (на втором фото справа от императора) стал первым директором музея.
Событие вызвало большой интерес со стороны общественности: в первые годы средняя посещаемость составляла 700-800 человек в будние дни, а в выходные — 2500 человек. Согласно легенде, первым посетителем еще закрытого музея стал истопник Алексей, который работал у Ивана Цветаева и попросил провести его внутрь (в начале XX века вход в учреждения культуры простолюдинам был воспрещен).
В оформлении музейной экспозиции Цветаеву помогали Василий Поленов, Игорь Грабарь, Константин Коровин, Федор Шехтель и другие известные деятели русской культуры. Так, в первую экспозицию, представленную на открытии, вошли слепки со скульптур раннего средневековья и эпохи Возрождения: с оригиналов римских и греческих скульптур делались формы, которые потом заливались гипсом.
Окончательно художественная экспозиция сложилось в 1948 году, после передачи в музей собрания Государственного музея нового западного искусства, созданного на основе коллекций Ивана Морозова и Сергея Щукина. В этот период в коллекцию музея вошли знаменитые работы «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне, «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега, «Обнаженная» Пьера Огюста Ренуара, «Мост через Марну в Кретее» и два вида горы Сен-Виктуар Поля Сезанна, «Красные виноградники в Арле» и «Прогулка заключенных» Винсента Ван Гога, а также полотна Анри Матисса, Поля Гогена, Пьера Боннара, Андре Дерена и Фернана Леже.
На сегодняшний день экспозиция Пушкинского состоит из более чем 670 тысяч предметов и включает коллекцию слепков с античных статуй, художественные произведения, археологические находки, а также собрание предметов из Древнего Египта и Древнего Рима.
Фрагмент из очерка свидетельницы событий Марины Цветаевой «Открытие музея», написанного в 1933 году:
«Белое видение лестницы, владычествующей над всем и всеми. У правого крыла — как страж — в нечеловеческий и даже не в божественный: в героический рост — микеланджеловский Давид. Гости, в ожидании государя, разбредаются по залам. Вдруг — звон, грохот, испуг, отскок, серебряные осколки и потоки: это восемнадцатилетний зять моего отца задел поднос с кавказскими водами, побежавшими и засверкавшими, как породившие их источники. Старички, удостоверившись, что не бомба, успокаиваются. Старики, старики, старики. Ордена, ордена, ордена. Ни лба без рытвин, ни груди без звезды. Мой брат и муж здесь единственно — молодые. Группа молодых великих князей не в счет, ибо это именно группа: мраморный барельеф. Мнится, что сегодня вся старость России притекла сюда на поклон вечной юности Греции. Живой урок истории и философии: вот что время делает с людьми, вот что — с богами. Вот что время делает с человеком, вот что (взгляд на статуи) — с человеком делает искусство. И, последний урок: вот что время делает с человеком, вот что человек делает со временем. Но я об этом, по молодости лет, не думаю, я только чувствую жуть».
Идеологом его создания стал Иван Владимирович Цветаев, профессор кафедры теории и истории искусства Московского университета, доктор римской словесности, историк искусства и отец Марины Цветаевой.
Открытие музея в сопровождении матери и дочерей посетил Николай II. В этот же день Цветаев (на втором фото справа от императора) стал первым директором музея.
Событие вызвало большой интерес со стороны общественности: в первые годы средняя посещаемость составляла 700-800 человек в будние дни, а в выходные — 2500 человек. Согласно легенде, первым посетителем еще закрытого музея стал истопник Алексей, который работал у Ивана Цветаева и попросил провести его внутрь (в начале XX века вход в учреждения культуры простолюдинам был воспрещен).
В оформлении музейной экспозиции Цветаеву помогали Василий Поленов, Игорь Грабарь, Константин Коровин, Федор Шехтель и другие известные деятели русской культуры. Так, в первую экспозицию, представленную на открытии, вошли слепки со скульптур раннего средневековья и эпохи Возрождения: с оригиналов римских и греческих скульптур делались формы, которые потом заливались гипсом.
Окончательно художественная экспозиция сложилось в 1948 году, после передачи в музей собрания Государственного музея нового западного искусства, созданного на основе коллекций Ивана Морозова и Сергея Щукина. В этот период в коллекцию музея вошли знаменитые работы «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне, «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега, «Обнаженная» Пьера Огюста Ренуара, «Мост через Марну в Кретее» и два вида горы Сен-Виктуар Поля Сезанна, «Красные виноградники в Арле» и «Прогулка заключенных» Винсента Ван Гога, а также полотна Анри Матисса, Поля Гогена, Пьера Боннара, Андре Дерена и Фернана Леже.
На сегодняшний день экспозиция Пушкинского состоит из более чем 670 тысяч предметов и включает коллекцию слепков с античных статуй, художественные произведения, археологические находки, а также собрание предметов из Древнего Египта и Древнего Рима.
Фрагмент из очерка свидетельницы событий Марины Цветаевой «Открытие музея», написанного в 1933 году:
«Белое видение лестницы, владычествующей над всем и всеми. У правого крыла — как страж — в нечеловеческий и даже не в божественный: в героический рост — микеланджеловский Давид. Гости, в ожидании государя, разбредаются по залам. Вдруг — звон, грохот, испуг, отскок, серебряные осколки и потоки: это восемнадцатилетний зять моего отца задел поднос с кавказскими водами, побежавшими и засверкавшими, как породившие их источники. Старички, удостоверившись, что не бомба, успокаиваются. Старики, старики, старики. Ордена, ордена, ордена. Ни лба без рытвин, ни груди без звезды. Мой брат и муж здесь единственно — молодые. Группа молодых великих князей не в счет, ибо это именно группа: мраморный барельеф. Мнится, что сегодня вся старость России притекла сюда на поклон вечной юности Греции. Живой урок истории и философии: вот что время делает с людьми, вот что — с богами. Вот что время делает с человеком, вот что (взгляд на статуи) — с человеком делает искусство. И, последний урок: вот что время делает с человеком, вот что человек делает со временем. Но я об этом, по молодости лет, не думаю, я только чувствую жуть».
13 июня 1911 года в Париже, на сцене театра Шатле состоялась премьера балета Игоря Стравинского «Петрушка».
Композитор писал: «Когда я сочинял эту музыку, перед глазами у меня был образ игрушечного плясуна, внезапно сорвавшегося с цепи, который своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр, в свою очередь отвечающий ему угрожающими фанфарами. Завязывается схватка, которая в конце концов завершается протяжною жалобой изнемогающего от усталости плясуна...».
Когда Стравинский сыграл свое произведение Сергею Дягилеву, тот с энтузиазмом воскликнул: «Да ведь это же балет! Ведь это Петрушка!». Так возникла идея представления, которому предстояло сильно изменить взгляды современников на балет.
Отказ от классического в привычном восприятии был и в хореографии Михаила Фокина. Балерина деревянно переступала на пуантах. Арап расхаживал враскорячку и молился кокосовому ореху. Лицо Вацлава Нижинского залепили уродливым гримом, натянули на красавца-танцовщика облезлый парик и колпак, руки вдели в неуклюжие рукавицы и не дали сделать танцовщику ни одного прыжка, которыми он славился. Его герой был подчеркнуто безобразен, но это не помешало Нижинскому доказать, что он великий артист. Петрушка сразил Чарли Чаплина и Сару Бернар, его тут же сравнили с маленькими людьми русской литературы.
После премьеры французская критика писала, что все это «très à la Dostoevsky» («Очень в духе Достоевского»); русские (а им теперь приходилось ездить за актуальным русским балетом в Париж) — что «Петрушка» сродни «Балаганчику» Александра Блока. Еще позже Анна Ахматова напишет свою «Поэму без героя», и там «Петрушкина маска» и «кучерская пляска» появятся в карусели образов Серебряного века.
#Интересное
Композитор писал: «Когда я сочинял эту музыку, перед глазами у меня был образ игрушечного плясуна, внезапно сорвавшегося с цепи, который своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр, в свою очередь отвечающий ему угрожающими фанфарами. Завязывается схватка, которая в конце концов завершается протяжною жалобой изнемогающего от усталости плясуна...».
Когда Стравинский сыграл свое произведение Сергею Дягилеву, тот с энтузиазмом воскликнул: «Да ведь это же балет! Ведь это Петрушка!». Так возникла идея представления, которому предстояло сильно изменить взгляды современников на балет.
Отказ от классического в привычном восприятии был и в хореографии Михаила Фокина. Балерина деревянно переступала на пуантах. Арап расхаживал враскорячку и молился кокосовому ореху. Лицо Вацлава Нижинского залепили уродливым гримом, натянули на красавца-танцовщика облезлый парик и колпак, руки вдели в неуклюжие рукавицы и не дали сделать танцовщику ни одного прыжка, которыми он славился. Его герой был подчеркнуто безобразен, но это не помешало Нижинскому доказать, что он великий артист. Петрушка сразил Чарли Чаплина и Сару Бернар, его тут же сравнили с маленькими людьми русской литературы.
После премьеры французская критика писала, что все это «très à la Dostoevsky» («Очень в духе Достоевского»); русские (а им теперь приходилось ездить за актуальным русским балетом в Париж) — что «Петрушка» сродни «Балаганчику» Александра Блока. Еще позже Анна Ахматова напишет свою «Поэму без героя», и там «Петрушкина маска» и «кучерская пляска» появятся в карусели образов Серебряного века.
#Интересное
131 год назад ушел из жизни художник, скульптор, теоретик искусства Николай Ге.
Илья Репин в автобиографии «Далекое близкое» оставил обаятельнейший портрет Ге: «Всюду вносил с собой этот бодрый человек свое особое настроение; настроение это можно назвать высоконравственным весельем. При взгляде на его красивую, стройную фигуру, прекрасные, благородные черты лица, открытую голову философа вас обдавало изяществом и вы невольно приходили в хорошее расположение духа. Когда же раздавался его приятный, задушевный голос, всегда мажорного тона, вы невольно и уже на все время беседы с ним чувствовали себя под обаятельным влиянием этого в высшей степени интересного художника».
Но Репин не подозревал, что Николай Николаевич Ге однажды поддался суеверию в отношении него же самого.
Давно живя на своем хуторе Ивановский, Ге с каждым годом все неохотнее соглашался позировать для портретов. О Репине к тому же ходили нехорошие слухи: вроде как все, кого бы он ни писал, в скором времени умирали. Илья Ефимович, напротив, горел желанием написать портрет Ге и с этой целью специально приехал к нему в Ивановское.
Обычно радушный Ге на этот раз встретил Репина настороженно и стал увиливать:
— К чему это? — говорил он о перспективе портрета. — Это, знаете ли, пренеприятно — будто примериваются тебя хоронить, подводят, так сказать, человеку итог.
— Ну, вы, милый мой, совсем как дикарь! — возмутился Репин.
— Дикарям тоже жить хочется, — пробурчал Ге себе под нос.
🖌️: Илья Репин. Портрет художника Н. Н. Ге. 1880
#Интересное
Илья Репин в автобиографии «Далекое близкое» оставил обаятельнейший портрет Ге: «Всюду вносил с собой этот бодрый человек свое особое настроение; настроение это можно назвать высоконравственным весельем. При взгляде на его красивую, стройную фигуру, прекрасные, благородные черты лица, открытую голову философа вас обдавало изяществом и вы невольно приходили в хорошее расположение духа. Когда же раздавался его приятный, задушевный голос, всегда мажорного тона, вы невольно и уже на все время беседы с ним чувствовали себя под обаятельным влиянием этого в высшей степени интересного художника».
Но Репин не подозревал, что Николай Николаевич Ге однажды поддался суеверию в отношении него же самого.
Давно живя на своем хуторе Ивановский, Ге с каждым годом все неохотнее соглашался позировать для портретов. О Репине к тому же ходили нехорошие слухи: вроде как все, кого бы он ни писал, в скором времени умирали. Илья Ефимович, напротив, горел желанием написать портрет Ге и с этой целью специально приехал к нему в Ивановское.
Обычно радушный Ге на этот раз встретил Репина настороженно и стал увиливать:
— К чему это? — говорил он о перспективе портрета. — Это, знаете ли, пренеприятно — будто примериваются тебя хоронить, подводят, так сказать, человеку итог.
— Ну, вы, милый мой, совсем как дикарь! — возмутился Репин.
— Дикарям тоже жить хочется, — пробурчал Ге себе под нос.
🖌️: Илья Репин. Портрет художника Н. Н. Ге. 1880
#Интересное
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Раз сегодня уже не раз вспоминали об Игоре Стравинском, предлагаю посмотреть редкий фрагмент из его интервью 1957 года.
Композитор рассказывает о своем творческом процессе и немного — о Бетховене.
#Интересное
Композитор рассказывает о своем творческом процессе и немного — о Бетховене.
#Интересное
14 июня 1951 года в деревне Подорвиха Иркутской области родился Александр Сокуров.
Александр Николаевич — один из самых известных современных российских режиссеров, обладатель «Золотого льва» Венецианского фестиваля и многократный лауреат премии ФИПРЕССИ. Он первым в мировом кинематографе снял полнометражный фильм («Русский ковчег») одним кадром. Получил японский орден Восходящего солнца четвертой степени за фильм «Солнце» об императоре Хирохито — один из четырех в его знаменитой тетралогии о власти наряду с «Молохом», «Тельцом» и «Фаустом». Важной особенностью творческого почерка режиссера является и работа с непрофессиональными актерами. У Сокурова снимались, например, математик Алексей Ананишнов («Дни затмения», «Мать и сын»), балерина Алла Осипенко («Ампир» и «Скорбное бесчувствие»), оперная певица Галина Вишневская («Александра»).
О своем отношении к кинематографу он как-то сказал: «Кинематограф — мелкий воришка, торопливый и хитрый. У театра он стащил драматургию, у оркестра — симфонизм, у живописи — цветовой интерес, у фотографии — композицию, у литературы — сюжет, у человеческого общества — интерес к интимной жизни».
А вот что в разное время говорили о Сокурове его коллеги и друзья.
Андрей Тарковский
«Играют у него в этом фильме (речь о дипломной работе Сокурова «Одинокий голос человека». — прим. ред.) не актеры и даже не любители, а просто люди с улицы. При этом там есть какой-то странный стиль, срез — какие-то странные аспекты, там есть куски, которым я просто, не скрывая, завидую, потому что мне так никогда не снять…»
Кира Муратова:
«У Сокурова есть странные вещи, необъяснимые, даже глупые, непонятные вроде, несвязные… Но… гений! Рука гения…»
Леонид Мозговой:
«Я его на 10 лет старше, но есть ощущение, что на много-много моложе. Он такой глубокий, чуткий, внимательный. Все переживает только внутри. На его съемках потрясающая атмосфера»
Галина Вишневская:
«Окружающие не понимают, с кем имеют дело. Он — классик, живой гений. Режиссерская профессия катастрофически трудна, надо все держать в голове, знать, что будет. Он чувствует ритм, целое, участвует во всем, но очень доверяет всем и никогда не повысит голос»
Кантемир Балагов:
«Александр Николаевич пропагандировал и пропагандирует человеческие отношения и гуманизм. Как учитель, он старается, чтобы и в моих работах это также присутствовало».
Александр Николаевич — один из самых известных современных российских режиссеров, обладатель «Золотого льва» Венецианского фестиваля и многократный лауреат премии ФИПРЕССИ. Он первым в мировом кинематографе снял полнометражный фильм («Русский ковчег») одним кадром. Получил японский орден Восходящего солнца четвертой степени за фильм «Солнце» об императоре Хирохито — один из четырех в его знаменитой тетралогии о власти наряду с «Молохом», «Тельцом» и «Фаустом». Важной особенностью творческого почерка режиссера является и работа с непрофессиональными актерами. У Сокурова снимались, например, математик Алексей Ананишнов («Дни затмения», «Мать и сын»), балерина Алла Осипенко («Ампир» и «Скорбное бесчувствие»), оперная певица Галина Вишневская («Александра»).
О своем отношении к кинематографу он как-то сказал: «Кинематограф — мелкий воришка, торопливый и хитрый. У театра он стащил драматургию, у оркестра — симфонизм, у живописи — цветовой интерес, у фотографии — композицию, у литературы — сюжет, у человеческого общества — интерес к интимной жизни».
А вот что в разное время говорили о Сокурове его коллеги и друзья.
Андрей Тарковский
«Играют у него в этом фильме (речь о дипломной работе Сокурова «Одинокий голос человека». — прим. ред.) не актеры и даже не любители, а просто люди с улицы. При этом там есть какой-то странный стиль, срез — какие-то странные аспекты, там есть куски, которым я просто, не скрывая, завидую, потому что мне так никогда не снять…»
Кира Муратова:
«У Сокурова есть странные вещи, необъяснимые, даже глупые, непонятные вроде, несвязные… Но… гений! Рука гения…»
Леонид Мозговой:
«Я его на 10 лет старше, но есть ощущение, что на много-много моложе. Он такой глубокий, чуткий, внимательный. Все переживает только внутри. На его съемках потрясающая атмосфера»
Галина Вишневская:
«Окружающие не понимают, с кем имеют дело. Он — классик, живой гений. Режиссерская профессия катастрофически трудна, надо все держать в голове, знать, что будет. Он чувствует ритм, целое, участвует во всем, но очень доверяет всем и никогда не повысит голос»
Кантемир Балагов:
«Александр Николаевич пропагандировал и пропагандирует человеческие отношения и гуманизм. Как учитель, он старается, чтобы и в моих работах это также присутствовало».
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
800 актеров. 300 лет русской истории. 33 зала Эрмитажа. 3 живых оркестра. Всего 1 дубль на съемках. Таков «Русский ковчег» Александра Сокурова — единственный российский фильм в списке лучших фильмов в истории, составляемом раз в 10 лет на основании опроса 846 самых известных кинокритиков мира.
Смотрим грандиозную сцену бала ❤️
Смотрим грандиозную сцену бала ❤️
Forwarded from Книжный фестиваль "Красная площадь"
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
📚 «Книга у меня всегда с собой»: Сати Спивакова — о чтении, сцене и любви к фестивалю
На Книжном фестивале «Красная площадь» Сати Спивакова выступила с музыкально-поэтической программой, посвящённой женской военной лирике, а также поделилась своими мыслями о литературе, читательских ритуалах и силе фестивалей. Мы поговорили с ней не только об искусстве и сцене, но и о том, что значит быть настоящим читателем сегодня.
#redfest
На Книжном фестивале «Красная площадь» Сати Спивакова выступила с музыкально-поэтической программой, посвящённой женской военной лирике, а также поделилась своими мыслями о литературе, читательских ритуалах и силе фестивалей. Мы поговорили с ней не только об искусстве и сцене, но и о том, что значит быть настоящим читателем сегодня.
#redfest
14 июня 1886 года в своем костромском имении Щелыково от болезни сердца скончался Александр Островский.
Впервые об Островском как об «отце русского национального театра» высказался Иван Гончаров, когда в 1882 году поздравлял его с 35-летием творческой деятельности: «Вы один достроили здание, в основание которого положили краеугольные камни Фонвизин, Грибоедов, Гоголь. Но только после Вас мы, русские, можем с гордостью сказать: „У нас есть свой русский, национальный театр“. Он, по справедливости, должен называться: „Театр Островского“».
Профессиональный русский театр появился в XVIII веке. Но долгое время русскоязычные театральные авторы лишь переводили иностранные произведения и адаптировали сюжеты для сцены. В XVIII и первой половине XIX века в большинстве театров ставили модные тогда европейские пьесы. Крупнейшие артисты начала столетия блистали в ролях из произведений Августа Коцебу, Фридриха Шиллера, Уильяма Шекспира. В год на сценах выходили сотни пьес. И среди них российские сюжеты — «Недоросль» Дениса Фонвизина, «Ревизор»и «Женитьба» Николая Гоголя — составляли совсем небольшой процент репертуара. В отечественном театре XIX века одну постановку играли недолго: в провинции всего пару раз, в столицах — несколько недель. Поэтому авторы постоянно писали и переводили.
А Александр Островский с 1850-х по 1880-е годы постоянно создавал пьесы на сюжеты из русской жизни. Всего он создал 47 произведений для сцены. Все их поставили в основном драматическом театре Москвы XIX века — Малом. Его даже называют «домом Островского».
Также драматург участвовал в управлении театром, предлагал новшества и отстаивал права авторов и актеров. В 1884 году он подал в Дирекцию Императорских театров «Записку по поводу проекта «Правил о премиях Императорских театров за драматические произведения», где перечислял ключевые проблемы, с которыми сталкивался отечественный театр. Кроме большого количества переводных и адаптированных пьес писатель указывал, что «распорядители репертуара не умеют и не желают ставить пьесы, имеющие художественные достоинства».
Благодаря писательским и организаторским талантам Островского сформировался самостоятельный русскоязычный репертуар — за это его и называют отцом русской драматургии и русского национального театра.
🖌️: Портрет Александра Островского кисти Василия Перова. 1871
#Интересное
Впервые об Островском как об «отце русского национального театра» высказался Иван Гончаров, когда в 1882 году поздравлял его с 35-летием творческой деятельности: «Вы один достроили здание, в основание которого положили краеугольные камни Фонвизин, Грибоедов, Гоголь. Но только после Вас мы, русские, можем с гордостью сказать: „У нас есть свой русский, национальный театр“. Он, по справедливости, должен называться: „Театр Островского“».
Профессиональный русский театр появился в XVIII веке. Но долгое время русскоязычные театральные авторы лишь переводили иностранные произведения и адаптировали сюжеты для сцены. В XVIII и первой половине XIX века в большинстве театров ставили модные тогда европейские пьесы. Крупнейшие артисты начала столетия блистали в ролях из произведений Августа Коцебу, Фридриха Шиллера, Уильяма Шекспира. В год на сценах выходили сотни пьес. И среди них российские сюжеты — «Недоросль» Дениса Фонвизина, «Ревизор»и «Женитьба» Николая Гоголя — составляли совсем небольшой процент репертуара. В отечественном театре XIX века одну постановку играли недолго: в провинции всего пару раз, в столицах — несколько недель. Поэтому авторы постоянно писали и переводили.
А Александр Островский с 1850-х по 1880-е годы постоянно создавал пьесы на сюжеты из русской жизни. Всего он создал 47 произведений для сцены. Все их поставили в основном драматическом театре Москвы XIX века — Малом. Его даже называют «домом Островского».
Также драматург участвовал в управлении театром, предлагал новшества и отстаивал права авторов и актеров. В 1884 году он подал в Дирекцию Императорских театров «Записку по поводу проекта «Правил о премиях Императорских театров за драматические произведения», где перечислял ключевые проблемы, с которыми сталкивался отечественный театр. Кроме большого количества переводных и адаптированных пьес писатель указывал, что «распорядители репертуара не умеют и не желают ставить пьесы, имеющие художественные достоинства».
Благодаря писательским и организаторским талантам Островского сформировался самостоятельный русскоязычный репертуар — за это его и называют отцом русской драматургии и русского национального театра.
🖌️: Портрет Александра Островского кисти Василия Перова. 1871
#Интересное
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
В день рождения одного из самых талантливых пианистов современности Лан Лана предлагаю послушать третью часть «Аппассионаты» Людвига ван Бетховена в его исполнении. ❤️
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
15 июня 1843 года в Бергене родился Эдвард Григ.
Мать композитора, Гесина Григ, училась игре на фортепиано и вокалу в Арфелоне у Альберта Метфесселя. Затем выступала в Лондоне, постоянно музицировала у себя дома в Бергене, исполняя сочинения Моцарта, Вебера, Шопена, и, как было принято в состоятельных семьях, с детства обучала музыке Эдварда, его брата и трех сестер. Впервые будущий композитор сел за фортепиано в четыре года, и уже в детстве его стала занимать красота созвучий и гармоний.
Путевку в жизнь будущему классику дал знаменитый скрипач Уле Булль, приходившийся Эдварду дальним родственником. Послушав юного пианиста, он посоветовал родителям отправить его в Лейпцигскую консерваторию, которую Григ закончил в 1862 году.
Завершив обучение, молодой человек отправился в Копенгаген, поскольку в Норвегии в то время не существовало музыкального сообщества. В Дании его ближайшим другом и единомышленником стал норвежец и создатель национального гимна Рикард Нурдрок. Молодые музыканты были одержимы идеей развития скандинавской музыкальной культуры. Григ признавался: «У меня точно глаза раскрылись! Я внезапно постиг всю глубину, всю ширь и мощь, все величие норвежского народного творчества. Я понял и свою собственную натуру, и свое призвание!».
В Копенгагене Григ впервые встретился со своей двоюродной сестрой — 18-летней Ниной Хагеруб — и влюбился. Вскоре они заключили тайную помолвку. Несмотря на протесты родственников, в 1866 году молодые люди обвенчались, а через 9 месяцев у супругов родилась дочь Александра (умерла через год от менингита).
В том же году композитор создал свой первый масштабный шедевр — Концерт для фортепиано с оркестром, посвященный памяти друга Нурдока, который скончался незадолго до этого в возрасте 23 лет. На премьере концерта в Копенгагене присутствовал прославленный русский композитор, легендарный пианист Антон Рубинштейн, который гастролировал в то время по Европе. Рубинштейн стал своего рода крестным отцом нового произведения — именно он предоставил свой великолепный рояль для первого исполнения Концерта Грига.
В следующем году опус Грига играл в своей римской резиденции великий Ференц Лист. Мэтр был восхищен работой юного норвежского коллеги и даже дал ему ряд ценных советов по инструментовке. Концерт стал популярнейшим произведением еще при жизни автора.
Все, что делал Григ, он посвящал своей родине. Композитор любил народную мифологию и воспевал в музыке природу и культуру своей страны. Самым известным сочинением Грига, основанном на скандинавском фольклоре, стала сюита «Пер Гюнт». Драматическую поэму Ибсена, посвященную скитаниям героя в поисках самого себя, любители театрального жанра поначалу не оценили. Возможно, ее судьба сложилась бы иначе, если бы не Эдвард Григ. Именно он написал музыку к спектаклю, который был поставлен в 1876 году.
В последние годы жизни Григ опубликовал остроумную и лиричную автобиографическую повесть «Мой первый успех» и программную статью «Моцарт и его значение для современности», в которых выразилось его творческое кредо: стремление к своеобразию, к определению своего стиля и своего места в музыке.
В апреле 1907 года композитор совершил большую концертную поездку по городам Норвегии, Дании и Германии.
Осенью того же года Григ собрался на музыкальный фестиваль в Англию. Вместе с женой он остановился в маленьком отеле в Бергене, чтобы подождать корабль до Лондона, но почувствовал себя плохо и отправился на лечение в одну из бергенских больниц. 4 сентября 1907 года композитор умер от туберкулеза.
Эдварда Грига кремировали у него на родине, в городе Бергене, в открытом в том же году первом крематории в Норвегии. Урна с прахом захоронена в скале над фьордом на побережье Северного моря, рядом с его виллой «Тролльхауген». В 1935 году урну с прахом его умершей жены замуровали в ту же скалу. Вскоре вилла была преобразована в мемориальный дом-музей Грига.
Мать композитора, Гесина Григ, училась игре на фортепиано и вокалу в Арфелоне у Альберта Метфесселя. Затем выступала в Лондоне, постоянно музицировала у себя дома в Бергене, исполняя сочинения Моцарта, Вебера, Шопена, и, как было принято в состоятельных семьях, с детства обучала музыке Эдварда, его брата и трех сестер. Впервые будущий композитор сел за фортепиано в четыре года, и уже в детстве его стала занимать красота созвучий и гармоний.
Путевку в жизнь будущему классику дал знаменитый скрипач Уле Булль, приходившийся Эдварду дальним родственником. Послушав юного пианиста, он посоветовал родителям отправить его в Лейпцигскую консерваторию, которую Григ закончил в 1862 году.
Завершив обучение, молодой человек отправился в Копенгаген, поскольку в Норвегии в то время не существовало музыкального сообщества. В Дании его ближайшим другом и единомышленником стал норвежец и создатель национального гимна Рикард Нурдрок. Молодые музыканты были одержимы идеей развития скандинавской музыкальной культуры. Григ признавался: «У меня точно глаза раскрылись! Я внезапно постиг всю глубину, всю ширь и мощь, все величие норвежского народного творчества. Я понял и свою собственную натуру, и свое призвание!».
В Копенгагене Григ впервые встретился со своей двоюродной сестрой — 18-летней Ниной Хагеруб — и влюбился. Вскоре они заключили тайную помолвку. Несмотря на протесты родственников, в 1866 году молодые люди обвенчались, а через 9 месяцев у супругов родилась дочь Александра (умерла через год от менингита).
В том же году композитор создал свой первый масштабный шедевр — Концерт для фортепиано с оркестром, посвященный памяти друга Нурдока, который скончался незадолго до этого в возрасте 23 лет. На премьере концерта в Копенгагене присутствовал прославленный русский композитор, легендарный пианист Антон Рубинштейн, который гастролировал в то время по Европе. Рубинштейн стал своего рода крестным отцом нового произведения — именно он предоставил свой великолепный рояль для первого исполнения Концерта Грига.
В следующем году опус Грига играл в своей римской резиденции великий Ференц Лист. Мэтр был восхищен работой юного норвежского коллеги и даже дал ему ряд ценных советов по инструментовке. Концерт стал популярнейшим произведением еще при жизни автора.
Все, что делал Григ, он посвящал своей родине. Композитор любил народную мифологию и воспевал в музыке природу и культуру своей страны. Самым известным сочинением Грига, основанном на скандинавском фольклоре, стала сюита «Пер Гюнт». Драматическую поэму Ибсена, посвященную скитаниям героя в поисках самого себя, любители театрального жанра поначалу не оценили. Возможно, ее судьба сложилась бы иначе, если бы не Эдвард Григ. Именно он написал музыку к спектаклю, который был поставлен в 1876 году.
В последние годы жизни Григ опубликовал остроумную и лиричную автобиографическую повесть «Мой первый успех» и программную статью «Моцарт и его значение для современности», в которых выразилось его творческое кредо: стремление к своеобразию, к определению своего стиля и своего места в музыке.
В апреле 1907 года композитор совершил большую концертную поездку по городам Норвегии, Дании и Германии.
Осенью того же года Григ собрался на музыкальный фестиваль в Англию. Вместе с женой он остановился в маленьком отеле в Бергене, чтобы подождать корабль до Лондона, но почувствовал себя плохо и отправился на лечение в одну из бергенских больниц. 4 сентября 1907 года композитор умер от туберкулеза.
Эдварда Грига кремировали у него на родине, в городе Бергене, в открытом в том же году первом крематории в Норвегии. Урна с прахом захоронена в скале над фьордом на побережье Северного моря, рядом с его виллой «Тролльхауген». В 1935 году урну с прахом его умершей жены замуровали в ту же скалу. Вскоре вилла была преобразована в мемориальный дом-музей Грига.
Первая и третья части Концерта для фортепиано с оркестром Эдварда Грига в исполнении Артура Рубинштейна (Allegro molto moderato) и Николая Луганского (Allegro moderato molto e mercato). 👏🏻
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
#МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения
15 июня 1479 года во Флоренции родилась девочка по имени Лиза Герардини.
Ее отец был зажиточным фермером, что позволяло семье вести размеренную жизнь среднего класса эпохи Возрождения. Казалось бы, ничто не предвещало удивительной судьбы Лизы. В 15 лет она вышла замуж за торговца тканями Франческо ди Бартоломео ди Дзаноби дель Джокондо. В качестве приданого отец дал жениху ферму.
Каждый год в семье рождались дети: Пьеро, Пьера, Камилла, Мариэтта, Андреа и Джокондо (Пьера и Джокондо умерли в младенчестве). Камилла и Мариэтта стали монахинями. Франческо расширял бизнес, торгуя уже не только тканями, но также сахаром, мылом и шерстью. В конце концов, разбогател и через несколько лет после заключения брака с Лизой смог купить приличный дом.
В 1538 году Франческо умер, вдова пережила его на четыре года и скончалась в монастыре святой Урсулы, где и была похоронена.
Ничего особенного, если бы не один любопытный факт: предположительно именно Лиза изображена на картине Леонардо да Винчи «Мона Лиза».
Предполагается, что Франческо дель Джокондо заказал Леонардо да Винчи портрет своей жены в 1503 году (возможно, чтобы отметить покупку дома и рождение очередного ребенка). Об этом известно в основном из биографии художника, написанной Джорджо Вазари: «Взялся Леонардо выполнить для Франческо дель Джокондо портрет моны Лизы, жены его, и, потрудившись над ним четыре года, оставил его недовершенным».
Считается, что да Винчи на долгие годы отложил работу над «Джокондой» ради утраченной ныне фрески «Битвы при Ангиари». Картина путешествовала с художником до 1516 года, который считается годом ее завершения (хотя некоторые специалисты уверены, что портрет так и не был закончен).
#Интересное
Ее отец был зажиточным фермером, что позволяло семье вести размеренную жизнь среднего класса эпохи Возрождения. Казалось бы, ничто не предвещало удивительной судьбы Лизы. В 15 лет она вышла замуж за торговца тканями Франческо ди Бартоломео ди Дзаноби дель Джокондо. В качестве приданого отец дал жениху ферму.
Каждый год в семье рождались дети: Пьеро, Пьера, Камилла, Мариэтта, Андреа и Джокондо (Пьера и Джокондо умерли в младенчестве). Камилла и Мариэтта стали монахинями. Франческо расширял бизнес, торгуя уже не только тканями, но также сахаром, мылом и шерстью. В конце концов, разбогател и через несколько лет после заключения брака с Лизой смог купить приличный дом.
В 1538 году Франческо умер, вдова пережила его на четыре года и скончалась в монастыре святой Урсулы, где и была похоронена.
Ничего особенного, если бы не один любопытный факт: предположительно именно Лиза изображена на картине Леонардо да Винчи «Мона Лиза».
Предполагается, что Франческо дель Джокондо заказал Леонардо да Винчи портрет своей жены в 1503 году (возможно, чтобы отметить покупку дома и рождение очередного ребенка). Об этом известно в основном из биографии художника, написанной Джорджо Вазари: «Взялся Леонардо выполнить для Франческо дель Джокондо портрет моны Лизы, жены его, и, потрудившись над ним четыре года, оставил его недовершенным».
Считается, что да Винчи на долгие годы отложил работу над «Джокондой» ради утраченной ныне фрески «Битвы при Ангиари». Картина путешествовала с художником до 1516 года, который считается годом ее завершения (хотя некоторые специалисты уверены, что портрет так и не был закончен).
#Интересное
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
В день памяти Алексея Баталова делюсь фрагментом передачи «Встреча с Алексеем Баталовым» 1989 года, в котором Алексей Владимирович рассуждает о специфике актерской профессии. 🙏🏻